Persartikelen en recensies
"(...) In de schilderkunst van Ralf Altrieth is er een vrijgevigheid die zijn eigen taal heeft, beeldend en kleurrijk, zonder dat kleur een geloofsbelijdenis wordt, grappig zonder karikaturaal te willen zijn, vrolijk zonder idealisme, energiek zonder luidruchtig te zijn, kortom een diep menselijke taal."
— Bernard Pignero, schrijver
"(...) Zijn schrijven via de beweging en de kleur beschrijft een wereld die openstaat voor nieuwe stemmen en voor ervaringen die nog nooit zijn geprobeerd. Zijn doeken en zijn werken op papier bewijzen dat schilderkunst een belangrijke expressie blijft van de hedendaagse scène."
Interview met Laurent Puech, historicus en curator van kasteel d'Assas >>Lees het artikel
Louis Doucet, verzamelaar, kunstcriticus en onafhankelijke curator >> Lees het artikel
Interview met Marie de Grossouvre, galerie Théo de Seine, Parijs >> Lees het artikel
Schilderachtige Poëzie, Dr. Friedhelm Häring, kunsthistoricus en museumdirecteur
Laurent Puech, kunsthistoricus en conservator van het kasteel van Assas, helpt bij de rondleiding
Kasteel d’Assas is trots daarop het publiek een monografische tentoonstelling te presenteren over de schilder Ralf Altrieth. Getekend door een onbeschaamde vitaliteit, die de ritmes mengt met de schilderkunst door middel van transparantie en bedekking, herverbinden zijn doeken zich met manifestaties over de hedendaagse schilderkunst die hier de afgelopen jaren niet meer werd geproduceerd.
De debatten over schilderkunst zijn levendig in Frankrijk, waar de laatste avant-gardes van de twintigste eeuw de rug naar het schilderij hebben gekeerd. Maar een dergelijke breuk met het representatiesysteem en zijn schilderprocedures is niet onomkeerbaar. Talrijke grote Franse schilders zoals Pierre Soulages (geboren in 1919), Martial Raysse (geboren in 1936) of Noël Dolla (geboren in 1945)* kennen een ononderbroken activiteit op de internationale scène, terwijl ze in tegenstelling tot hun voorgangers van het begin van de 20e eeuw, niet meer voorop lopen. De Amerikanen, de Duitsers en meer algemeen de anglo-saksische sfeer, domineren door de creatie van schilderkunst met beroemde kunstenaars zoals David Hockney (geboren in 1937), Gerhard Richter (geboren in 1932), Marlène Dumas (geboren in 1953) of Mark Bradford (geboren in 1961) die blijven herwaarderen.
In 2015 heeft de 56e biënnale van Venetië de geweldigheid van de expressie van de schilderkunst onder de aandacht gebracht met de indrukwekkende samenvatting van reusachtige zelfportretten van Georg Baselitz (geboren in 1938) tot de schilderijen die in de ruimte van Katharina Grösse (geboren in 1961) worden gepresenteerd, die kleur met een spuitpistool op meerdere meters hoge zeilen projecteert. De gebaren en de materieelheid van de schilderkunst worden door deze twee kunstenaars heroverwogen met een uitgesproken actuele expressionistische heftigheid.
Ralf Altrieth (geboren in 1966) voegt zich in de lijn van het nieuwe Duitse expressionisme zonder bij een specifieke school te horen; hooguit heeft hij, zoals in muziek, de basis van een opleiding ontvangen bij prestigieuze initiators** zonder verder te gaan in de verfijning van een simpele esthetische woordenschat. Deze schilder en saxofonist zoekt geen definitieve formule maar de altijd vernieuwde uitvinding van emotionele en expressieve affiniteiten.
Afkomstig uit een land dat zowel vruchtbaar als betwist is, een broederlijk gastland van het Hugenotenrefuge waarvan vele kenmerken zich door de eeuwen heen hebben gevestigd van de wijnhellingen van de Neckar tot de financiële hoofdstad van Duitsland, Frankfurt, houdt Ralf Altrieth afstand van zijnmoederlandzonder resoluut Frans te zijn geworden. Ongetwijfeld onderhoudt hij zo zijn onafhankelijkheid van geest en zijn vrijheid doen als kunstenaar door zich te distantiëren van vooral esthetische kwesties die beperkt zijn tot het nationale kader. Zoals in jazzimprovisatie, construeren de overlappingen en de uitwissing het openen of sluiten van de ruimte, een dynamiek voor elk van zijn werken. De inscriptie van ideogrammen, de elementarisatie van graffiti, de terugkerende trekken van de menselijke en dierlijke figuur bouwen daar een superstructuur scripturaal waar de wereld zoals hij die ziet, te raden isvan binnen. Tegen de esthetische puurheid en de morele waarheden van de kunst van het verleden verschijnt, van buitenaf,de perfecte werelddie hij ons heeft beloofd.
Gericht op de densiteit van het moment en zijn spontaniteit behoudend, richt Ralf Altrieth zich op het produceren van werken die vrij zijn van teatraliteit. Net als de sporter of de muzikant, lijdt zijn performatieve daad niet onder enige vertraging in zijn narratief, zoals de heterogeniteit van het schilderachtige oppervlak van zijn werken getuigt. De invloed van Pablo Picasso (1881-1973), Jean Dubuffet (1901-1985) of Jean Michel Basquiat (1960-1988) sluit een visie die is gebouwd op vernieuwing niet uit. De zeer uitgesproken plastische uitdrukkingen die men bijna zou kunnen kwalificeren alshoorbaar, vooral ten aanzien van een jazzmuzikant zoals Ralf Altrieth, dragen allemaal een essentiële component van opstand. Sterk doordrongen van kindertijd, doorkruist door de ziekten van de adolescent ziel en de genezing van de volwassenheid, levert de felle singulariteit van deze jonge schilder een universeel karakter dat hij weet te delen, zoals deze presentatie, uitzonderlijk door zijn densiteit, getuigt,
Laurent Puech,
commissaris van de tentoonstelling
* van de groep Support(s)/Surface(s)
** met name in de studio van Georg Schaible (1907-2007), Duitse schilder en graveur, vertegenwoordiger van het "expressieve realisme"
*** Ralf Altrieth woont en werkt sinds 2006 in Frankrijk
Laurent Puech, kunsthistoricus en curator van het kasteel van Assas, gesprek met Ralf Altrieth
« De perfecte wereld », op een bepaalde manier plaatst de titel die u voor deze tentoonstelling heeft gekozen u heel precies in uw relatie tot anderen en de samenleving. Het doet een constatering die niet zonder een zekere ironie is, terwijl het een toekomstige constructie oproept die door uw plastische expressie is ontdekt. In ieder geval kan deze formule op twee verschillende manieren worden begrepen: het is ofwel een project in wording, ofwel een huidige realiteit, kunt u ons uw standpunt verduidelijken?
Ja, er is ironie, maar niet alleen dat. Ik zie deze titel ook als een uitdaging, een handleiding, een geloof, een spel, een bevestiging, een provocatie gericht aan de huidige realiteit.
Iets dat perfect is, is zonder defecten. Maar een vastgesteld defect is altijd relatief, subjectief, gezien vanuit een bepaald perspectief. Er bestaat geen absolute waarheid over wat een defect is of niet. Deze theorie is, dat is waar, extreem, maar als we verder nadenken, zou men kunnen zeggen dat, in het absolute, een schijnbaar defect er geen is. De wereld is dus perfect.
Mijn schilderkunst werkt een beetje zo. Ik probeer de kunst te cultiveren om aandachtig te blijven voor de toevalligheden en fouten (defecten, mislukte pogingen, storende details,...) die kunnen optreden tijdens het werkproces, en die uiteindelijk vaak zeer veelbelovend zijn.
Ik geef toe dat er dingen zijn die zich voordoen, niet gewild in eerste instantie, in de daad van het maken, die sterk, groot, belangrijk zijn en die deel uitmaken van mijn schilderkunst, net als de gewilde dingen (impulsen, ideeën, constructies, enz.), waarmee ik moet werken.
Dus, ik betwijfel mijn middelen, mijn capaciteiten, mijn vakmanschap niet. Ik accepteer alles wat mij ter beschikking wordt gesteld, en dat opent verrassende perspectieven.
We hebben meerdere keren gesproken over de kunstgeschiedenis met betrekking tot de invloeden die bewust of onbewust uw creatie doorkruisen. Ze zijn talrijk, oprecht geliefd en geen enkele is dominant, het leek me echter dat u vanwege uw profiel als muzikant en beeldend kunstenaar de figuur van A. R. Penck (1939-2017) in gedachten houdt, een kunstenaar die jarenlang aan de kant is gezet en vervolgd in de DDR en later, op latere leeftijd, internationale succes kende door in 1980 naar het Westen te verhuizen. In vergelijking met de Duitse schilders van het neo-expressionisme waartoe hij behoort, is hij degene die een universum van extra-Europese grafische tekens zoals kalligrafie modelleert en buiten het gebruikelijke kader van de 'historische' schilderkunst zoals graffiti, vindt zijn singulariteit en zijn weigering om tot een of ander nationalisme te behoren weerklank in u?
Natuurlijk is het de singulariteit die een groot kunstenaar definieert. Het is datgene wat iets nieuws toevoegt. Het kan gewoon iets unieks, bijzonders zijn. Het is niet nodig om de schilderkunst volledig te revolutioneren.
En het lijkt me vrij logisch dat de singulariteit niet goed samengaat met het idee om tot een nationalisme of een bepaalde groep te behoren. Het is duidelijk dat de groepen van schilderkunstenaars (Dada, Surrealisme, Cobra, Expressionisme,...) nooit goed functioneerden, in ieder geval niet lang. Al deze kunstenaars die tot zulke groepen behoorden, waren meer of minder singulariteit kunstenaars, die geprobeerd hebben, de behoefte voelden om zich in groepen te verenigen. Maar dat is niet mogelijk. Het zijn eigenlijk hun werken die hen dichterbij brengen, die hen samenbrengen, omdat je er manieren van expressie vindt die elkaar weerkaatsen, die op elkaar lijken zoals de leden van eenzelfde familie.
Dat is het geval met Penck, die ik adoreer, maar zonder hem ooit van dichtbij te bekijken (houden van betekent ook een beetje afstand bewaren.) In ieder geval is zijn werk buitengewoon, absoluut uniek, hij is onclassificeerbaar en tegelijkertijd wordt hij geplaatst in de familie van de neo-expressionisten, precies Duits. Misschien moet je dat niet te serieus nemen. Inderdaad, wie zijn de neo-expressionisten in Duitsland eigenlijk? In aantal zijn er niet veel.
Maar, om concreter over zijn schilderkunst te spreken, er is een picturaal aspect bij Penck dat me heel erg fascineert: hij is in staat om grote doeken, zeer grote doeken in één gebaar en in één laag te maken; hij legt geen tweede laag, noch een derde, enzovoort. Er zijn geen textuurkwaliteiten, en dat is nooit hinderlijk, het werkt, en misschien is dat waar we de muzikant terugvinden: het trilt, het danst, het klinkt.
Curieus voor mij, u bent ook gehecht aan het schilderwerk van Gérard Garouste (geboren in 1946) waarvan je wel kunt zeggen dat het doordrenkt is met verwijzingen naar oude meesters zoals Tintoretto, naar bijbelse spiritualiteit en zelfs naar de mystieke openbaring van de Talmoed! Zijn artistieke route, inclusief de beslissende invloed van Jean Dubuffet (1901-1985), zou u meer met hem verbinden dan met zijn expressie zelf?
Eerst een opmerking: Tijdens ons gesprek, toen we het over Garouste hadden, dacht ik aan El Greco. Ik weet niet waarom ik Tintoret heb gezegd. Misschien moeten we hier de naam El Greco in plaats van Tintoretto zetten. Ik vind dat er echt overeenkomsten zijn in hun schilderijen. ("Visie van Sint Jan" of "De Laocoön" bijvoorbeeld)
Het is altijd de expressie zelf die me verbindt met een kunstenaar. In een museum, bij een tentoonstelling, absorbeer ik het werk, ik lees de verklarende teksten niet (misschien later, thuis). Het is alsof ik naar de cinema, het theater of een concert ga. Ik duik erin. Ik wil met de schilderkunst zijn. Het is daarvoor gemaakt. Gérard Garouste eindigt een alinea in een interview met de woorden: "En toch, u weet het, een schilderij heeft niets te zeggen, het is gewoon".
Ik ben het daar volledig mee eens. De schilderkunst is gewoon, en ik bent gewoon met haar. En ik kan heel goed zijn met de schilderkunst van Gérard Garouste. Gewoon met zijn schilderijen, ik hoef me niet te interesseren voor de context, de bronnen, de ideeën. Wat hij zelf ook bevestigt.
Ja, ik hou van zijn schilderkunst. Vooral zijn periode in de jaren tachtig, die zo rijk en zo uniek is, er is klassiek naast ruwe kunst en ook abstracte kunst, het is fascinerend. Het is een schilderkunst die me voedt.
Ik wist niet dat Jean Dubuffet een grote invloed op hem had. Maar uiteindelijk verbaast het me niet. Ik hou van de schilderkunst van beiden. En ik hou van de schilderkunst van El Greco.
Maar Garouste aanhalen, betekent ook het vermelden van de periode van ernstige psychologische depressie in het leven van een kunstenaar, je eigen expressie raakt soms dit punt van onevenwichtigheid en laat denken dat je niet onverschillig bent voor deze kwestie van psychische representatie die onder andere werd opgeëist door Jackson Pollock, die over zijn schilderijen sprak als 'interne muren'.
Het is simpelweg onmogelijk om kunst te maken in een staat van evenwicht. Anders maak je het niet. Anders is het ambacht, illustratie, decoratie, of iets anders. Misschien voel je de behoefte om iets in evenwicht te brengen. Maar hoe dan ook, dat lukt niet. Niet lang in ieder geval. Het kan dus ook geen therapie zijn. Je geneest er niet mee. Onevenwichtigheid is niet per se een ziekte. Dat is het lot van een schilder. Je kunt er niets aan doen, je moet ermee omgaan.
Dus ja, de psychische elementen zijn fundamenteel. Maar voor mij gaat het niet om het representeren van het psychische. Trouwens, ik hou niet veel van het woord 'representatie' in het algemeen in de schilderkunst. Ik vind dat elke schilderkunst, in wezen, abstract is, zelfs een appel in een stilleven.
Dat brengt ons terug bij wat ik eerder heb genoemd: dat de schilderkunst 'niks zegt, dat ze gewoon is'.
Dus ja, de psychische toestanden maken deel uit van mijn schilderkunst, maar ze worden er niet in vertegenwoordigd.
En moet je niet ook een beetje onevenwichtig zijn om een appel te willen schilderen?
Als zowel jazzmuzikant als schilder wisselt u van de ene discipline naar de andere, afhankelijk van het moment. Daardoor is er bij u nooit sprake van herhaling; u blijft voortdurend uitvinden met een voorliefde voor het huidige moment. Betekent dit ook dat u een lichtheid van zijn eist in plaats van te streven naar die soms zware diepte die kunstenaars die zich als spirituele gidsen beschouwen, vaak met zich meedragen?
Het is waanzin om beide te willen doen, en ik heb meerdere keren in mijn leven geprobeerd te stoppen met het een of het ander. En tegelijkertijd heeft het idee om me niet alleen tot een van deze disciplines te beperken me altijd aangesproken. Juist om misschien lichter en vrijer te blijven.
In ieder geval is het essentieel om altijd afstand te houden, en voor een schilder lijkt me dat de meest essentiële en voor de hand liggende zaak. Het zit in de aard van de schilderkunst zelf, van welk soort schilderkunst dan ook: als u abstract, landschappen, stillevens, figuratief, expressief of iets anders schildert, is afstand nemen inherent aan de daad van schilderen en, natuurlijk, ook aan de daad van het waarnemen van de schilderkunst.
Maar ik moet toevoegen dat ik de laatste jaren erg gefocust ben op schilderen. Muziek staat een beetje op de achtergrond, maar het begint weer zijn plaats in mijn leven terug te nemen.
Bernard Pignero, schrijver
De beeldende wereld van Ralf Altrieth – want hij heeft ook een muzikale wereld – is van onmiskenbare samenhang. Dit kan worden bevestigd door een groot aantal werken, van verschillende formaten en gedateerd uit meerdere jaren, met elkaar te vergelijken. De evidentie dringt zich op: wat op een geïsoleerd schilderij aanvankelijk lijkt voort te komen uit een fantasierijke imaginatie, is slechts een element, een soort stilstaand beeld, gemaakt uit een imaginaire wereld van overvloedige rijkdom maar met een voor de hand liggende continuïteit. Bestaat deze wereld voorafgaand aan zijn onthulling in het werk van Altrieth of is het een constructie die de kunstenaar geleidelijk aan ontwikkelt in zijn creatieve proces? Met andere woorden, is de kunstenaar de intermediair of de schepper van wat hij toont? Het is vaak in deze tegenstelling dat zich verbergt wat men de creatieve subjectiviteit zou kunnen noemen: spreekt de kunstenaar over zijn binnenwereld, of over die van ons die we niet goed zien? Plaatst hij zichzelf in de schijnwerpers of is het ons waar hij in geïnteresseerd is? Het zou vijandig zijn, of op zijn minst onvoldoende, om de antwoord te zoeken in de overvloed van een al aanzienlijke oeuvre, hoewel deze overvloed toch een belangrijk teken is. Evenzo is de beheersing waarmee Ralf Altrieth speelt met de formaten, variërend van het kleinste tot het grootste zonder verlies ván narratieve intensiteit – en men kan zelfs veronderstellen dat monumentale werken binnen zijn bereik zouden liggen als hij de kans had om ze te produceren – een element dat niet over het hoofd mag worden gezien. Maar men weet dat artistieke producties die in aantal zijn beperkt, of die beperkt zijn in hun onderwerp of formaat, zich kunnen opdringen als essentieel. Het is jammer dat er nog maar een dozijn schilderijen van Vermeer beschikbaar zijn, maar dat is niet meer nodig om te weten dat ze voortkomen uit een visie op de wereld die zowel origineel als essentieel is.
Het is verleidelijk om vast te houden aan het idee dat er maar één realiteit is: degene die we zien en waarvan we veronderstellen dat iedereen dezelfde perceptie heeft. We geven toe dat iedereen er een iets andere interpretatie aan kan geven, aangezien het duidelijk is dat de afstemming van onze zintuigen niet perfect gestandaardiseerd is. Toch hebben schilders een lovenswaardige neiging om deze geruststellende zekerheid in vraag te stellen. Ralf Altrieth behoort tot degenen die niet de gelijkenis met de werkelijkheid zoeken, maar de noodzaak ervan. De kunstenaar die zich vandaag de dag zou inspannen om te kopiëren wat hij ziet en ons dus zou proberen te bewijzen dat we inderdaad hetzelfde zien, zou slechts een bondgenoot van ons natuurlijke conformisme zijn. Hoewel men de stilleven legitiem als een van de hoogtepunten van de kunst kan beschouwen, is het wel onder de voorwaarde dat de natuur daar juist niet dood is. Dat is een ander debat.
L’œuvre de Ralf Altrieth vous met soudain en face d'une réalité différente, ce qui ne saurait prétendre aujourd'hui à l'originalité, mais une réalité qui s'impose comme pertinente, ce qui est beaucoup plus rare. Si l'on admet qu'il n'y a bien en fait qu'une réalité, la nécessité du réel, ce qui nous le rend compatible avec notre perception immédiate du monde n'est pas une donnée spontanément accessible. Or la démarche de l'artiste, sa mission ou parfois sa malédiction est de nous en fournir les preuves tangibles. À l'évidence, si le travail d'Altrieth relève bien d'une démarche artistique et non d'une aimable mystification, ce n'est pas seulement à sa cohérence et à sa maîtrise formelle qu'il le doit mais à quelque chose de plus qui s'impose et se dérobe à la fois. C'est à cette double capacité de révéler sans dire que se mesure généralement la force d'un art. Il y a dans la peinture de Ralf Altrieth une générosité qui n'est ni militante, ni didactique. Elle ne dénonce pas, elle ne juge pas le monde tel qu'elle l'expose dans le parti pris d'un merveilleux détournement des évidences ; elle se contente de le décrire avec son langage propre, imagé sans être délibérément onirique, coloré avec une totale décomplexion mais sans faire de la couleur une profession de foi, drôle sans vouloir être caricatural, joyeux sans idéalisme, énergique sans être tonitruant, en somme un langage profondément humain.
Veel jonge kunstenaars voelen de behoefte om in series te werken, en willen zo een reeks aanvullende artistieke voorstellen ontwikkelen die wat één enkel werk niet kan concentreren. Ralf Altrieth toont een volwassenheid of een kracht die sterker is in die zin dat, hoewel hij uitblinkt in het juxtaposer van series van kleine schilderijen waarvan de accumulatie duidelijk jubilerend is, men verbaasd is te constateren dat elk van hen alleen zijn eigen noodzaak kan verdedigen. Men voelt in deze levendige en bewegende schilderkunst, en niet alleen in de grote formaten, een verwondering over het bestaan, een openheid voor alle mogelijkheden van het leven, een constante vraagstelling voor de mysteries van de mensheid. Men leest er een wil in om resoluut maar vrolijk de schoonheid in haar laatste uithoeken te ontdekken. Geen zelfgenoegzaamheid maar ook geen dramatisering in deze gezonde, krachtige, gevoelige meer dan sensuele schilderkunst.
Wat betreft de vraag of de kunstenaar de bemiddelaar of de uitvinder is van de wereld die hij tentoonstelt, is het ons niet gegeven om daar namens hem op te antwoorden, maar het is voor ons belangrijk dat deze wereld toegankelijk voor ons is en ons uitnodigt om verder te verkennen. Ralf Altrieth nodigt ons daartoe uit met een totale vrijgevigheid. Is dat niet wat eerst de handtekening van een kunstenaar authentiek maakt?
Stéphane CERRI, cultureel journalist
Ook al is het een beetje reducerend, sinds een halve eeuw is er altijd een wantrouwen geweest van de Franse avant-gardes ten opzichte van de schilderkunst en vaak zelfs, dodelijke impulsen. Een houding die nooit heeft bestaan bij de hedendaagse kunstenaars aan de andere kant van de Rijn... In grote lijnen BMPT en Supports/Surfaces versus Polke, Richter, Kippenberger en Baselitz... De dood van het schilderij tegen de permanente herinrichting...
In deze grote chaos moet de ruimte "open zijn", want in de "goede schilderkunst is er werk te doen door degene die kijkt, anders is het erg saai". In een spel van diepte, van overlapping, met een afwisseling van vormen die naar binnen convergeren of naar buiten uitbreiden, mengt Ralf Altrieth de genres, de beelden, de stijlen en laat hij ze botsen. "Zoals in het leven waar we slechts deeltjes zijn". In de grote vrije doeken moet het oog stuiteren, zich vastklampen, zich losmaken; het wordt gevangen door de kleur, door de energie van de beweging, de vreemde cohabitaties, de muzikale ritmes van de jazz waar Ralf Altrieth ook als saxofonist optreedt, een liefhebber van improvisatie.
Louis Doucet, verzamelaar, kunstcriticus, onafhankelijke curator lid van C|E|A
Sinds enkele jaren schildert Ralf Altrieth episodes uit een imaginaire en fantasierijke wereld die hij schijnbaar helemaal zelf heeft gecreëerd. Maar als je beter kijkt, vraag je je af of het de reflecties zijn van een innerlijke modus of de herinterpretatie van een externe realiteit? De vraag blijft open... Wat zeker is, is dat zijn werken narratief willen zijn, verhalen vertellen, treurig of komisch, maar altijd afwijkend, zelfs verontrustend of provocerend... Ze beantwoorden aan dit principe vaninnerlijke noodzaak, geclaimd door Kandinsky die schreef: "Wie niet geraakt wordt door de innerlijke resonantie van de vorm (lichamelijk en vooral abstract) zal zo'n compositie altijd als volkomen willekeurig beschouwen."
Les peintures de Ralf Altrieth remettent en cause nos certitudes. Il y est, certes, question de réalité, mais d’une réalité qui transcende les apparences, souvent trompeuses, de notre monde physique. Comme si l’artiste était doté d’une vision radiographique qui permet de sonder le dessous de la surface des choses pour se concentrer sur leur essence. C’est pour cela qu’il évite l’écueil de la caricature, même lorsqu’il se veut drôle ou critique. Il s’agit d’un travail de détournement – ou plutôt de recentrage – des certitudes perceptives au profit de la vision d’un troisième œil qui sonderait les tréfonds de notre humanité.
Interview avec Marie de Grossouvre, galerie Théo de Seine, Paris
Est-ce qu’il te semble qu’il y a une grande évolution dans ton travail depuis 2010 (date des premières peintures que tu as laissées à la galerie) ?
Les premières peintures que j’ai exposées à la galerie Théo de Seine sont très importantes dans mon travail. Ce qui était nouveau était surtout le principe de superposition. Avec cela, je suis arrivé à faire une peinture plus précise. Plus précise dans le sens où je la trouve plus conforme à ma façon de voir les choses. J’ai poussé une porte. Et j’ai trouvé une façon de peindre qui me correspondait vraiment et qui me permettait de justement pousser plus loin la peinture.
Jusqu’à aujourd’hui, il n’y a pas vraiment de changement, mais bien sûr une évolution, peut-être pas très grande, mais importante. Mon travail était très posé il y a deux, trois ans. Le processus était assez lent. Aujourd’hui, il s’y ajoute des moments très impulsifs. Il y avait déjà de la radicalité à l’époque, dans le sens où mes toiles étaient soumises à de très grands changements pendant de processus. Aujourd’hui, c’est pareil, mais il y a des phases variables en tempo, différentes en atmosphère. De plus, je cherche à aller plus loin avec la couleur, la peinture en soi et la texture. J’ai vraiment envie de laisser toute liberté à la peinture. Je ne veux pas l’enfermer dans une cage. Elle n’a pas de service à me rendre.
C’est ce qu’il me semble, mais est-ce une évolution volontaire, une envie de faire évoluer ton travail dans telle ou telle direction ?
C’est un besoin et en même temps une volonté, parce qu’il faut bien s’observer un peu. Et je n’ai pas trop envie de me reproduire, de faire des variations. Chaque toile est une aventure nouvelle et je ne sais pas où elle m’emmène. Mais surtout, j’essaye d’être le plus attentif possible. La peinture m’enseigne, et cette réflexion engendre automatiquement de nouvelles directions.
J’ai bien enregistré que tu avais refusé un enseignement officiel pour apprendre de manière plus autodidacte, mais du coup :
Est-ce que tu t’inscris plus dans une vision plus « art brut », avec l’idée « d’asphyxiante culture » comme le dit Dubuffet ou il y a des artistes dont tu regardes beaucoup le travail, et qui t’inspirent ?
Un moteur principal dans ma vie, dans mon art est la liberté, le besoin d’être libre. Je me sentais plus libre en-dehors d’une institution d’enseignement. Et si on observe bien la plupart des artistes qui sont arrivés à faire quelque chose de personnel et d’innovant, ça se traduisait plutôt par une rupture avec leur enseignement. Je ne voulais peut-être pas attendre avec ça.
Mais c’est vrai, je me sens proche du mouvement de l’art brut, surtout avec des gens comme Chaissac, que j’ai découvert vraiment il n’y a pas très longtemps.
Je ne suis pas vraiment contre les écoles d’art, mais je trouve qu’elles produisent quelquefois des aspects moins positifs pour l’art, comme la manière de penser à une carrière, l’attachement à des positions, en sélectionnant on valorise certains, certains pas du tout, etc. On met tout dans des tiroirs, etc.
Moi-même, je n’aurais pas trop d’envie d’enseigner. Les choses les plus importantes sont à apprendre en observant la vie et, bien sûr aussi, d’autres artistes.
Par exemple, Basquiat, si j’essaie de confronter ton travail au sien, je vois des points communs, dans la manière de s’attacher à la surface de la toile, dans la recherche d’une « harmonie colorée » (même si elle n’est pas conventionnelle), pour lui aussi, l’expérience du moment où il peignait devait être importante...
Mais son histoire est différente de la tienne, et chez toi, une des différences, c’est aussi dans les thèmes, il y a plus de références au monde de l’enfance, de l’humour, même si dans la forme il y a quelque chose d’assez violent. Qu’en penses-tu ?
Il y a certainement des points communs dans mon travail et celui de Basquiat. J’ai aussi appris une chose importante dans sa peinture, comme dans la peinture de certains autres peintres, dont je me sens proche : c’est la radicalité. J’essaye de pousser la peinture plus loin. La peinture, c’est quelque chose de plus grand que moi. La radicalité permet d’aller plus loin, de se détacher, de voir plus. Je trouve aujourd’hui qu’en peignant des toiles, je me crée moi-même. Ça n’a rien à voir avec la question de savoir si la peinture me plaît ou pas. C’est plutôt une question de justesse. Et là, je reviens à ta question. Les sujets s’introduisent d’eux-mêmes. Basquiat avait reçu un livre sur l'anatomie, quand il était jeune, - je crois qu’il était à l’hôpital à cette époque. Mes sujets à moi viennent d’ailleurs. Et je n’habite pas à New York et je n’ai pas envie de consommer des drogues fortes. Je trouve la vie en soi magnifique, même si c’est sûr qu’il y a des choses terribles dans ce monde. Mais ça n’a rien à voir avec la vie. Je n’arrive pas à laisser des trucs sombres dans mes toiles (même si j’y réussis quelquefois très bien, mais je n’ai pas envie de laisser ça comme ça.)
Et oui, l’enfance et l’humour sont très proches de la liberté. Etant enfant, on ne calcule pas, on est. C’est ça la liberté, même si on est obligé d’apprendre certains trucs. Et l’humour est le moyen parfait de garder de la distance, de créer une distance. J’ai l’impression que si on arrive à s’éloigner de soi-même de plus en plus, on s’approche finalement plus que jamais de soi-même.
Par ailleurs, je me dis qu’il y a quelque chose de Dada dans ton travail autant dans cette manière d’ajouter du texte dans les peintures (disons que les dadaïstes sont les premiers à l’avoir beaucoup fait) et dans cette volonté de ne pas laisser le spectateur contempler en paix, mais de faire une peinture tout en mouvement, en chaos, violente parfois (comme notre société) qui l’oblige à réagir. Là aussi, c’est une parenté que tu reconnais ou pas ?
Je reconnais là une parenté, mais je dois admettre que je n’étais pas trop conscient de cela. Le dadaïsme a fait une forte impression sur moi quand j’étais jeune. Surtout avec Kurt Schwitters et Max Ernst. Là encore : Le mouvement, la violence sont des paramètres très importants pour la peinture. Ils permettent d’être précis, même si l’apparence suggère le contraire.
Sinon, en 2010, il n’y avait que des « sans-titres ». Maintenant, le titre est un acteur ?
Aujourd’hui, je trouve qu’une toile mérite un titre. En plus, c’est techniquement beaucoup plus simple de gérer les fichiers, les images, pour communiquer, etc. Mais le titre n’est pas vraiment acteur, il s’impose comme une forme, comme une couleur. C’est quelque chose qui s’ajoute à la toile à la fin, quelquefois même un peu avant, quelquefois il doit être corrigé, un peu comme une couleur trop brillante, ou trop mate, etc. Quelquefois, il est nécessaire de l’intégrer directement dans la peinture, pas toujours, pas trop souvent. Après tout, il n’explique rien. C’est comme quelque chose de poétique en supplément (et là, je crois qu’on rejoint Max Ernst ou d’autres). Et dans ce sens, peut-être qu’il devient acteur.
Il y a aussi sans doute le format qui change ta recherche ?? (Je me rends compte de cela dans les 3 colonnes que j’ai fait)…
Encore aux beaux-arts à Nürtingen, j’avais 21 ans, je me suis mis très tôt à des grands formats. J’ai tout de suite aimé les toiles qui s’imposent, qui sont là. Ce sont de grands trucs, ils interpellent, on est obligé de se confronter à eux. Je suis très content d’avoir retrouvé ça. J’avais abandonné un peu les grands formats, parce que c’était difficile de déménager avec. (Je ne les vendais pas toujours assez rapidement comme aujourd’hui). J’ai déménagé pas mal dans ma vie. Mais ça aussi avait un avantage. Je crois que c’est comme ça que j’ai appris à réussir la peinture sur des petits formats. Voilà.