Persartikelen en recensies
"(...) In de schilderkunst van Ralf Altrieth is er een vrijgevigheid die zijn eigen taal heeft, beeldend en kleurrijk, zonder dat kleur een geloofsbelijdenis wordt, grappig zonder karikaturaal te willen zijn, vrolijk zonder idealisme, energiek zonder luidruchtig te zijn, kortom een diep menselijke taal."
— Bernard Pignero, schrijver
"(...) Zijn schrijven via de beweging en de kleur beschrijft een wereld die openstaat voor nieuwe stemmen en voor ervaringen die nog nooit zijn geprobeerd. Zijn doeken en zijn werken op papier bewijzen dat schilderkunst een belangrijke expressie blijft van de hedendaagse scène."
Interview met Laurent Puech, historicus en curator van kasteel d'Assas >>Lees het artikel
Louis Doucet, verzamelaar, kunstcriticus en onafhankelijke curator >> Lees het artikel
Interview met Marie de Grossouvre, galerie Théo de Seine, Parijs >> Lees het artikel
Schilderachtige Poëzie, Dr. Friedhelm Häring, kunsthistoricus en museumdirecteur
Laurent Puech, kunsthistoricus en conservator van het kasteel van Assas, helpt bij de rondleiding
Kasteel d’Assas is trots daarop het publiek een monografische tentoonstelling te presenteren over de schilder Ralf Altrieth. Getekend door een onbeschaamde vitaliteit, die de ritmes mengt met de schilderkunst door middel van transparantie en bedekking, herverbinden zijn doeken zich met manifestaties over de hedendaagse schilderkunst die hier de afgelopen jaren niet meer werd geproduceerd.
De debatten over schilderkunst zijn levendig in Frankrijk, waar de laatste avant-gardes van de twintigste eeuw de rug naar het schilderij hebben gekeerd. Maar een dergelijke breuk met het representatiesysteem en zijn schilderprocedures is niet onomkeerbaar. Talrijke grote Franse schilders zoals Pierre Soulages (geboren in 1919), Martial Raysse (geboren in 1936) of Noël Dolla (geboren in 1945)* kennen een ononderbroken activiteit op de internationale scène, terwijl ze in tegenstelling tot hun voorgangers van het begin van de 20e eeuw, niet meer voorop lopen. De Amerikanen, de Duitsers en meer algemeen de anglo-saksische sfeer, domineren door de creatie van schilderkunst met beroemde kunstenaars zoals David Hockney (geboren in 1937), Gerhard Richter (geboren in 1932), Marlène Dumas (geboren in 1953) of Mark Bradford (geboren in 1961) die blijven herwaarderen.
In 2015 heeft de 56e biënnale van Venetië de geweldigheid van de expressie van de schilderkunst onder de aandacht gebracht met de indrukwekkende samenvatting van reusachtige zelfportretten van Georg Baselitz (geboren in 1938) tot de schilderijen die in de ruimte van Katharina Grösse (geboren in 1961) worden gepresenteerd, die kleur met een spuitpistool op meerdere meters hoge zeilen projecteert. De gebaren en de materieelheid van de schilderkunst worden door deze twee kunstenaars heroverwogen met een uitgesproken actuele expressionistische heftigheid.
Ralf Altrieth (geboren in 1966) voegt zich in de lijn van het nieuwe Duitse expressionisme zonder bij een specifieke school te horen; hooguit heeft hij, zoals in muziek, de basis van een opleiding ontvangen bij prestigieuze initiators** zonder verder te gaan in de verfijning van een simpele esthetische woordenschat. Deze schilder en saxofonist zoekt geen definitieve formule maar de altijd vernieuwde uitvinding van emotionele en expressieve affiniteiten.
Afkomstig uit een land dat zowel vruchtbaar als betwist is, een broederlijk gastland van het Hugenotenrefuge waarvan vele kenmerken zich door de eeuwen heen hebben gevestigd van de wijnhellingen van de Neckar tot de financiële hoofdstad van Duitsland, Frankfurt, houdt Ralf Altrieth afstand van zijnmoederlandzonder resoluut Frans te zijn geworden. Ongetwijfeld onderhoudt hij zo zijn onafhankelijkheid van geest en zijn vrijheid doen als kunstenaar door zich te distantiëren van vooral esthetische kwesties die beperkt zijn tot het nationale kader. Zoals in jazzimprovisatie, construeren de overlappingen en de uitwissing het openen of sluiten van de ruimte, een dynamiek voor elk van zijn werken. De inscriptie van ideogrammen, de elementarisatie van graffiti, de terugkerende trekken van de menselijke en dierlijke figuur bouwen daar een superstructuur scripturaal waar de wereld zoals hij die ziet, te raden isvan binnen. Tegen de esthetische puurheid en de morele waarheden van de kunst van het verleden verschijnt, van buitenaf,de perfecte werelddie hij ons heeft beloofd.
Gericht op de densiteit van het moment en zijn spontaniteit behoudend, richt Ralf Altrieth zich op het produceren van werken die vrij zijn van teatraliteit. Net als de sporter of de muzikant, lijdt zijn performatieve daad niet onder enige vertraging in zijn narratief, zoals de heterogeniteit van het schilderachtige oppervlak van zijn werken getuigt. De invloed van Pablo Picasso (1881-1973), Jean Dubuffet (1901-1985) of Jean Michel Basquiat (1960-1988) sluit een visie die is gebouwd op vernieuwing niet uit. De zeer uitgesproken plastische uitdrukkingen die men bijna zou kunnen kwalificeren alshoorbaar, vooral ten aanzien van een jazzmuzikant zoals Ralf Altrieth, dragen allemaal een essentiële component van opstand. Sterk doordrongen van kindertijd, doorkruist door de ziekten van de adolescent ziel en de genezing van de volwassenheid, levert de felle singulariteit van deze jonge schilder een universeel karakter dat hij weet te delen, zoals deze presentatie, uitzonderlijk door zijn densiteit, getuigt,
Laurent Puech,
commissaris van de tentoonstelling
* van de groep Support(s)/Surface(s)
** met name in de studio van Georg Schaible (1907-2007), Duitse schilder en graveur, vertegenwoordiger van het "expressieve realisme"
*** Ralf Altrieth woont en werkt sinds 2006 in Frankrijk
Laurent Puech, kunsthistoricus en curator van het kasteel van Assas, gesprek met Ralf Altrieth
« De perfecte wereld », op een bepaalde manier plaatst de titel die u voor deze tentoonstelling heeft gekozen u heel precies in uw relatie tot anderen en de samenleving. Het doet een constatering die niet zonder een zekere ironie is, terwijl het een toekomstige constructie oproept die door uw plastische expressie is ontdekt. In ieder geval kan deze formule op twee verschillende manieren worden begrepen: het is ofwel een project in wording, ofwel een huidige realiteit, kunt u ons uw standpunt verduidelijken?
Ja, er is ironie, maar niet alleen dat. Ik zie deze titel ook als een uitdaging, een handleiding, een geloof, een spel, een bevestiging, een provocatie gericht aan de huidige realiteit.
Iets dat perfect is, is zonder defecten. Maar een vastgesteld defect is altijd relatief, subjectief, gezien vanuit een bepaald perspectief. Er bestaat geen absolute waarheid over wat een defect is of niet. Deze theorie is, dat is waar, extreem, maar als we verder nadenken, zou men kunnen zeggen dat, in het absolute, een schijnbaar defect er geen is. De wereld is dus perfect.
Mijn schilderkunst werkt een beetje zo. Ik probeer de kunst te cultiveren om aandachtig te blijven voor de toevalligheden en fouten (defecten, mislukte pogingen, storende details,...) die kunnen optreden tijdens het werkproces, en die uiteindelijk vaak zeer veelbelovend zijn.
Ik geef toe dat er dingen zijn die zich voordoen, niet gewild in eerste instantie, in de daad van het maken, die sterk, groot, belangrijk zijn en die deel uitmaken van mijn schilderkunst, net als de gewilde dingen (impulsen, ideeën, constructies, enz.), waarmee ik moet werken.
Dus, ik betwijfel mijn middelen, mijn capaciteiten, mijn vakmanschap niet. Ik accepteer alles wat mij ter beschikking wordt gesteld, en dat opent verrassende perspectieven.
We hebben meerdere keren gesproken over de kunstgeschiedenis met betrekking tot de invloeden die bewust of onbewust uw creatie doorkruisen. Ze zijn talrijk, oprecht geliefd en geen enkele is dominant, het leek me echter dat u vanwege uw profiel als muzikant en beeldend kunstenaar de figuur van A. R. Penck (1939-2017) in gedachten houdt, een kunstenaar die jarenlang aan de kant is gezet en vervolgd in de DDR en later, op latere leeftijd, internationale succes kende door in 1980 naar het Westen te verhuizen. In vergelijking met de Duitse schilders van het neo-expressionisme waartoe hij behoort, is hij degene die een universum van extra-Europese grafische tekens zoals kalligrafie modelleert en buiten het gebruikelijke kader van de 'historische' schilderkunst zoals graffiti, vindt zijn singulariteit en zijn weigering om tot een of ander nationalisme te behoren weerklank in u?
Natuurlijk is het de singulariteit die een groot kunstenaar definieert. Het is datgene wat iets nieuws toevoegt. Het kan gewoon iets unieks, bijzonders zijn. Het is niet nodig om de schilderkunst volledig te revolutioneren.
En het lijkt me vrij logisch dat de singulariteit niet goed samengaat met het idee om tot een nationalisme of een bepaalde groep te behoren. Het is duidelijk dat de groepen van schilderkunstenaars (Dada, Surrealisme, Cobra, Expressionisme,...) nooit goed functioneerden, in ieder geval niet lang. Al deze kunstenaars die tot zulke groepen behoorden, waren meer of minder singulariteit kunstenaars, die geprobeerd hebben, de behoefte voelden om zich in groepen te verenigen. Maar dat is niet mogelijk. Het zijn eigenlijk hun werken die hen dichterbij brengen, die hen samenbrengen, omdat je er manieren van expressie vindt die elkaar weerkaatsen, die op elkaar lijken zoals de leden van eenzelfde familie.
Dat is het geval met Penck, die ik adoreer, maar zonder hem ooit van dichtbij te bekijken (houden van betekent ook een beetje afstand bewaren.) In ieder geval is zijn werk buitengewoon, absoluut uniek, hij is onclassificeerbaar en tegelijkertijd wordt hij geplaatst in de familie van de neo-expressionisten, precies Duits. Misschien moet je dat niet te serieus nemen. Inderdaad, wie zijn de neo-expressionisten in Duitsland eigenlijk? In aantal zijn er niet veel.
Maar, om concreter over zijn schilderkunst te spreken, er is een picturaal aspect bij Penck dat me heel erg fascineert: hij is in staat om grote doeken, zeer grote doeken in één gebaar en in één laag te maken; hij legt geen tweede laag, noch een derde, enzovoort. Er zijn geen textuurkwaliteiten, en dat is nooit hinderlijk, het werkt, en misschien is dat waar we de muzikant terugvinden: het trilt, het danst, het klinkt.
Curieus voor mij, u bent ook gehecht aan het schilderwerk van Gérard Garouste (geboren in 1946) waarvan je wel kunt zeggen dat het doordrenkt is met verwijzingen naar oude meesters zoals Tintoretto, naar bijbelse spiritualiteit en zelfs naar de mystieke openbaring van de Talmoed! Zijn artistieke route, inclusief de beslissende invloed van Jean Dubuffet (1901-1985), zou u meer met hem verbinden dan met zijn expressie zelf?
Eerst een opmerking: Tijdens ons gesprek, toen we het over Garouste hadden, dacht ik aan El Greco. Ik weet niet waarom ik Tintoret heb gezegd. Misschien moeten we hier de naam El Greco in plaats van Tintoretto zetten. Ik vind dat er echt overeenkomsten zijn in hun schilderijen. ("Visie van Sint Jan" of "De Laocoön" bijvoorbeeld)
Het is altijd de expressie zelf die me verbindt met een kunstenaar. In een museum, bij een tentoonstelling, absorbeer ik het werk, ik lees de verklarende teksten niet (misschien later, thuis). Het is alsof ik naar de cinema, het theater of een concert ga. Ik duik erin. Ik wil met de schilderkunst zijn. Het is daarvoor gemaakt. Gérard Garouste eindigt een alinea in een interview met de woorden: "En toch, u weet het, een schilderij heeft niets te zeggen, het is gewoon".
Ik ben het daar volledig mee eens. De schilderkunst is gewoon, en ik bent gewoon met haar. En ik kan heel goed zijn met de schilderkunst van Gérard Garouste. Gewoon met zijn schilderijen, ik hoef me niet te interesseren voor de context, de bronnen, de ideeën. Wat hij zelf ook bevestigt.
Ja, ik hou van zijn schilderkunst. Vooral zijn periode in de jaren tachtig, die zo rijk en zo uniek is, er is klassiek naast ruwe kunst en ook abstracte kunst, het is fascinerend. Het is een schilderkunst die me voedt.
Ik wist niet dat Jean Dubuffet een grote invloed op hem had. Maar uiteindelijk verbaast het me niet. Ik hou van de schilderkunst van beiden. En ik hou van de schilderkunst van El Greco.
Maar Garouste aanhalen, betekent ook het vermelden van de periode van ernstige psychologische depressie in het leven van een kunstenaar, je eigen expressie raakt soms dit punt van onevenwichtigheid en laat denken dat je niet onverschillig bent voor deze kwestie van psychische representatie die onder andere werd opgeëist door Jackson Pollock, die over zijn schilderijen sprak als 'interne muren'.
Het is simpelweg onmogelijk om kunst te maken in een staat van evenwicht. Anders maak je het niet. Anders is het ambacht, illustratie, decoratie, of iets anders. Misschien voel je de behoefte om iets in evenwicht te brengen. Maar hoe dan ook, dat lukt niet. Niet lang in ieder geval. Het kan dus ook geen therapie zijn. Je geneest er niet mee. Onevenwichtigheid is niet per se een ziekte. Dat is het lot van een schilder. Je kunt er niets aan doen, je moet ermee omgaan.
Dus ja, de psychische elementen zijn fundamenteel. Maar voor mij gaat het niet om het representeren van het psychische. Trouwens, ik hou niet veel van het woord 'representatie' in het algemeen in de schilderkunst. Ik vind dat elke schilderkunst, in wezen, abstract is, zelfs een appel in een stilleven.
Dat brengt ons terug bij wat ik eerder heb genoemd: dat de schilderkunst 'niks zegt, dat ze gewoon is'.
Dus ja, de psychische toestanden maken deel uit van mijn schilderkunst, maar ze worden er niet in vertegenwoordigd.
En moet je niet ook een beetje onevenwichtig zijn om een appel te willen schilderen?
Als zowel jazzmuzikant als schilder wisselt u van de ene discipline naar de andere, afhankelijk van het moment. Daardoor is er bij u nooit sprake van herhaling; u blijft voortdurend uitvinden met een voorliefde voor het huidige moment. Betekent dit ook dat u een lichtheid van zijn eist in plaats van te streven naar die soms zware diepte die kunstenaars die zich als spirituele gidsen beschouwen, vaak met zich meedragen?
Het is waanzin om beide te willen doen, en ik heb meerdere keren in mijn leven geprobeerd te stoppen met het een of het ander. En tegelijkertijd heeft het idee om me niet alleen tot een van deze disciplines te beperken me altijd aangesproken. Juist om misschien lichter en vrijer te blijven.
In ieder geval is het essentieel om altijd afstand te houden, en voor een schilder lijkt me dat de meest essentiële en voor de hand liggende zaak. Het zit in de aard van de schilderkunst zelf, van welk soort schilderkunst dan ook: als u abstract, landschappen, stillevens, figuratief, expressief of iets anders schildert, is afstand nemen inherent aan de daad van schilderen en, natuurlijk, ook aan de daad van het waarnemen van de schilderkunst.
Maar ik moet toevoegen dat ik de laatste jaren erg gefocust ben op schilderen. Muziek staat een beetje op de achtergrond, maar het begint weer zijn plaats in mijn leven terug te nemen.
Bernard Pignero, schrijver
De beeldende wereld van Ralf Altrieth – want hij heeft ook een muzikale wereld – is van onmiskenbare samenhang. Dit kan worden bevestigd door een groot aantal werken, van verschillende formaten en gedateerd uit meerdere jaren, met elkaar te vergelijken. De evidentie dringt zich op: wat op een geïsoleerd schilderij aanvankelijk lijkt voort te komen uit een fantasierijke imaginatie, is slechts een element, een soort stilstaand beeld, gemaakt uit een imaginaire wereld van overvloedige rijkdom maar met een voor de hand liggende continuïteit. Bestaat deze wereld voorafgaand aan zijn onthulling in het werk van Altrieth of is het een constructie die de kunstenaar geleidelijk aan ontwikkelt in zijn creatieve proces? Met andere woorden, is de kunstenaar de intermediair of de schepper van wat hij toont? Het is vaak in deze tegenstelling dat zich verbergt wat men de creatieve subjectiviteit zou kunnen noemen: spreekt de kunstenaar over zijn binnenwereld, of over die van ons die we niet goed zien? Plaatst hij zichzelf in de schijnwerpers of is het ons waar hij in geïnteresseerd is? Het zou vijandig zijn, of op zijn minst onvoldoende, om de antwoord te zoeken in de overvloed van een al aanzienlijke oeuvre, hoewel deze overvloed toch een belangrijk teken is. Evenzo is de beheersing waarmee Ralf Altrieth speelt met de formaten, variërend van het kleinste tot het grootste zonder verlies ván narratieve intensiteit – en men kan zelfs veronderstellen dat monumentale werken binnen zijn bereik zouden liggen als hij de kans had om ze te produceren – een element dat niet over het hoofd mag worden gezien. Maar men weet dat artistieke producties die in aantal zijn beperkt, of die beperkt zijn in hun onderwerp of formaat, zich kunnen opdringen als essentieel. Het is jammer dat er nog maar een dozijn schilderijen van Vermeer beschikbaar zijn, maar dat is niet meer nodig om te weten dat ze voortkomen uit een visie op de wereld die zowel origineel als essentieel is.
Het is verleidelijk om vast te houden aan het idee dat er maar één realiteit is: degene die we zien en waarvan we veronderstellen dat iedereen dezelfde perceptie heeft. We geven toe dat iedereen er een iets andere interpretatie aan kan geven, aangezien het duidelijk is dat de afstemming van onze zintuigen niet perfect gestandaardiseerd is. Toch hebben schilders een lovenswaardige neiging om deze geruststellende zekerheid in vraag te stellen. Ralf Altrieth behoort tot degenen die niet de gelijkenis met de werkelijkheid zoeken, maar de noodzaak ervan. De kunstenaar die zich vandaag de dag zou inspannen om te kopiëren wat hij ziet en ons dus zou proberen te bewijzen dat we inderdaad hetzelfde zien, zou slechts een bondgenoot van ons natuurlijke conformisme zijn. Hoewel men de stilleven legitiem als een van de hoogtepunten van de kunst kan beschouwen, is het wel onder de voorwaarde dat de natuur daar juist niet dood is. Dat is een ander debat.
Het werk van Ralf Altrieth confronteert je plotseling met een verschillende realiteit, die vandaag de dag niet kan pretenderen aan originaliteit, maar een realiteit die zich opdringt als relevant, wat veel zeldzamer is. Als we aannemen dat er in feite maar één realiteit is, de noodzaak van het reële, dan is wat het compatibel maakt met onze directe waarneming van de wereld geen spontaan toegankelijke gegeven. De aanpak van de kunstenaar, zijn missie of soms zijn vloek is om ons de tastbare bewijzen te leveren. Het is duidelijk, als het werk van Altrieth inderdaad voortkomt uit een artistieke benadering en niet uit een vriendelijke misleiding, dan is het niet alleen aan zijn samenhang en formele beheersing te danken, maar aan iets meer dat zich opdringt en zich tegelijkertijd onttrekt. Het is aan deze dubbele capaciteit om te onthullen zonder te zeggen dat de kracht van een kunstwerk doorgaans wordt gemeten. Er is in de schilderkunst van Ralf Altrieth een vrijgevigheid die noch militant, noch didactisch is. Het veroordeelt niet, het oordeelt de wereld niet zoals het deze presenteert in de vooringenomenheid van een prachtige omkering van het voor de hand liggende; het volstaat om het te beschrijven met zijn eigen taal, beeldend zonder opzettelijk dromerig te zijn, gekleurd met een totale descomplexie maar zonder van kleur een geloofsbelijdenis te maken, grappig zonder karikaturaal te willen zijn, vrolijk zonder idealisme, energiek zonder opdringerig te zijn, kortom een diep menselijk taalgebruik.
Veel jonge kunstenaars voelen de behoefte om in series te werken, en willen zo een reeks aanvullende artistieke voorstellen ontwikkelen die wat één enkel werk niet kan concentreren. Ralf Altrieth toont een volwassenheid of een kracht die sterker is in die zin dat, hoewel hij uitblinkt in het juxtaposer van series van kleine schilderijen waarvan de accumulatie duidelijk jubilerend is, men verbaasd is te constateren dat elk van hen alleen zijn eigen noodzaak kan verdedigen. Men voelt in deze levendige en bewegende schilderkunst, en niet alleen in de grote formaten, een verwondering over het bestaan, een openheid voor alle mogelijkheden van het leven, een constante vraagstelling voor de mysteries van de mensheid. Men leest er een wil in om resoluut maar vrolijk de schoonheid in haar laatste uithoeken te ontdekken. Geen zelfgenoegzaamheid maar ook geen dramatisering in deze gezonde, krachtige, gevoelige meer dan sensuele schilderkunst.
Wat betreft de vraag of de kunstenaar de bemiddelaar of de uitvinder is van de wereld die hij tentoonstelt, is het ons niet gegeven om daar namens hem op te antwoorden, maar het is voor ons belangrijk dat deze wereld toegankelijk voor ons is en ons uitnodigt om verder te verkennen. Ralf Altrieth nodigt ons daartoe uit met een totale vrijgevigheid. Is dat niet wat eerst de handtekening van een kunstenaar authentiek maakt?
Stéphane CERRI, cultureel journalist
Ook al is het een beetje reducerend, sinds een halve eeuw is er altijd een wantrouwen geweest van de Franse avant-gardes ten opzichte van de schilderkunst en vaak zelfs, dodelijke impulsen. Een houding die nooit heeft bestaan bij de hedendaagse kunstenaars aan de andere kant van de Rijn... In grote lijnen BMPT en Supports/Surfaces versus Polke, Richter, Kippenberger en Baselitz... De dood van het schilderij tegen de permanente herinrichting...
In deze grote chaos moet de ruimte "open zijn", want in de "goede schilderkunst is er werk te doen door degene die kijkt, anders is het erg saai". In een spel van diepte, van overlapping, met een afwisseling van vormen die naar binnen convergeren of naar buiten uitbreiden, mengt Ralf Altrieth de genres, de beelden, de stijlen en laat hij ze botsen. "Zoals in het leven waar we slechts deeltjes zijn". In de grote vrije doeken moet het oog stuiteren, zich vastklampen, zich losmaken; het wordt gevangen door de kleur, door de energie van de beweging, de vreemde cohabitaties, de muzikale ritmes van de jazz waar Ralf Altrieth ook als saxofonist optreedt, een liefhebber van improvisatie.
Louis Doucet, verzamelaar, kunstcriticus, onafhankelijke curator lid van C|E|A
Sinds enkele jaren schildert Ralf Altrieth episodes uit een imaginaire en fantasierijke wereld die hij schijnbaar helemaal zelf heeft gecreëerd. Maar als je beter kijkt, vraag je je af of het de reflecties zijn van een innerlijke modus of de herinterpretatie van een externe realiteit? De vraag blijft open... Wat zeker is, is dat zijn werken narratief willen zijn, verhalen vertellen, treurig of komisch, maar altijd afwijkend, zelfs verontrustend of provocerend... Ze beantwoorden aan dit principe vaninnerlijke noodzaak, geclaimd door Kandinsky die schreef: "Wie niet geraakt wordt door de innerlijke resonantie van de vorm (lichamelijk en vooral abstract) zal zo'n compositie altijd als volkomen willekeurig beschouwen."
De schilderijen van Ralf Altrieth dagen onze zekerheden uit. Het gaat, inderdaad, om realiteit, maar om een realiteit die de schijnbare, vaak misleidende, aspecten van onze fysieke wereld overstijgt. Alsof de kunstenaar over een radiografisch zicht beschikt dat het mogelijk maakt om onder de oppervlakte van de dingen te kijken en zich te concentreren op hun essentie. Daarom vermijdt hij de valkuil van de karikatuur, zelfs wanneer hij grappig of kritisch wil zijn. Het is een werk van omkering – of beter gezegd, van heroriëntatie – van de perceptieve zekerheden ten gunste van de visie van een derde oog dat de diepten van onze menselijkheid zou doorgronden.
Interview met Marie de Grossouvre, galerie Théo de Seine, Parijs
Lijkt het je dat er een grote evolutie in je werk is sinds 2010 (datum van de eerste schilderijen die je aan de galerie hebt gegeven)?
De eerste schilderijen die ik in de galerie Théo de Seine heb tentoongesteld, zijn erg belangrijk in mijn werk. Wat nieuw was, was vooral het principe van overlapping. Hiermee ben ik erin geslaagd om een nauwkeuriger schilderij te maken. Nauwkeuriger in de zin dat ik het meer in overeenstemming vind met mijn manier van kijken naar de dingen. Ik heb een deur geopend. En ik heb een manier van schilderen gevonden die echt bij me past en die me in staat stelde om de schilderkunst verder te verkennen.
Tot vandaag is er niet echt verandering, maar natuurlijk is er een evolutie, misschien niet erg groot, maar belangrijk. Mijn werk was twee, drie jaar geleden heel rustig. Het proces was vrij traag. Vandaag de dag zijn er ook zeer impulsieve momenten. Er was al radicaliteit in die tijd, in de zin dat mijn doeken onderhevig waren aan zeer grote veranderingen tijdens het proces. Vandaag is het hetzelfde, maar er zijn variabele fasen in tempo, verschillend in sfeer. Bovendien probeer ik verder te gaan met kleur, de verf zelf en textuur. Ik wil de verf echt alle vrijheid geven. Ik wil het niet in een kooi opsluiten. Het heeft geen verplichtingen tegenover mij.
Dat lijkt me, maar is het een vrijwillige evolutie, een verlangen om je werk in deze of gene richting te laten evolueren?
Het is een behoefte en tegelijkertijd een wil, omdat je jezelf toch een beetje moet observeren. En ik heb niet echt de behoefte om mezelf te reproduceren, om variaties te maken. Elk doek is een nieuw avontuur en ik weet niet waar het me naartoe leidt. Maar vooral probeer ik zo attent mogelijk te zijn. De verf leert me, en deze reflectie genereert automatisch nieuwe richtingen.
Ik heb goed genoteerd dat je een officiële opleiding hebt geweigerd om op een meer autodidactische manier te leren, maar dus:
Schrijf je je meer in in een visie van « art brut », met het idee van « verstikkende cultuur » zoals Dubuffet zegt, of zijn er kunstenaars wiens werk je veel bekijkt en die je inspireren?
Een hoofd motor in mijn leven, in mijn kunst is de vrijheid, de behoefte om vrij te zijn. Ik voelde me vrijer buiten een onderwijsinstelling. En als je goed kijkt naar de meeste kunstenaars die erin geslaagd zijn om iets persoonlijks en innovatiefs te maken, dan vertaalt dat zich meestal in een breuk met hun opleiding. Misschien wilde ik daar niet op wachten.
Maar het is waar, ik voel me bijna verbonden met de beweging van de brutale kunst, vooral met mensen zoals Chaissac, die ik echt pas kort geleden heb ontdekt.
Ik bent niet echt tegen kunstscholen, maar ik vind dat ze soms minder positieve aspecten voor de kunst voortbrengen, zoals de manier van denken over een carrière, de gehechtheid aan posities, door te selecteren waarderen we sommigen, anderen helemaal niet, enzovoort. We stoppen alles in laatjes, enzovoort.
Zelf zou ik niet echt zin hebben om les te geven. De belangrijkste dingen zijn te leren door het leven te observeren en, natuurlijk ook, andere kunstenaars.
Bijvoorbeeld, Basquiat, als ik probeer jouw werk met het zijne te vergelijken, zie ik overeenkomsten, in de manier van hechten aan het oppervlak van het doek, in de zoektocht naar een "gekleurde harmonie" (ook al is die niet conventioneel), voor hem ook, moet de ervaring van het moment waarop hij schilderde belangrijk zijn geweest...
Maar zijn verhaal is different van het jouwe, en bij jou is een van de verschillen ook in de thema's, er zijn meer verwijzingen naar de wereld van de kindertijd, naar humor, ook al is er in de vorm iets vrij gewelddadigs. Wat denk je daarvan?
Er zijn zeker overeenkomsten tussen mijn werk en dat van Basquiat. Ik heb ook een belangrijke les geleerd uit zijn schilderkunst, net als uit de schilderkunst van sommige andere schilders waarmee ik me verbonden voel: het is de radicaliteit. Ik probeer de schilderkunst verder te duwen. Schilderkunst is iets dat groter is dan ik. Radicaliteit stelt je in staat om verder te gaan, om je los te maken, om meer te zien. Ik vind vandaag de dag dat ik door het schilderen van doeken mezelf creëer. Het heeft niets te maken met de vraag of ik de schilderkunst mooi vind of niet. Het is eerder een kwestie van juistheid. En daar kom ik terug op jouw vraag. De onderwerpen dringen zich vanzelf aan. Basquiat had een boek over anatomie gekregen toen hij jong was - ik geloof dat hij op dat moment in het ziekenhuis was. Mijn onderwerpen komen van elders. En ik woon niet in New York en ik heb geen zin om zware drugs te gebruiken. Ik vind het leven op zich prachtig, ook al zijn er zeker verschrikkelijke dingen in deze wereld. Maar dat heeft niets te maken met het leven. Ik kan geen donkere dingen in mijn doeken achterlaten (ook al lukt het me soms heel goed, maar ik wil dat niet zo laten).
En ja, de kindertijd en de humor zijn heel dicht bij de vrijheid. Als kind reken je niet, je bent. Dat is vrijheid, ook al moet je bepaalde dingen leren. En humor is het perfecte middel om afstand te houden, om een afstand te creëren. Ik heb het gevoel dat als je steeds verder van jezelf weg kunt komen, je uiteindelijk dichter bij jezelf komt dan ooit.
Bovendien denk ik dat er iets Dada in jouw werk zit, zowel in de manier waarop je tekst aan de schilderijen toevoegt (laten we zeggen dat de dadaïsten de eersten waren die dit veel deden) als in de wil om de toeschouwer niet in vrede te laten contempleren, maar om een schilderij te maken dat in beweging is, in chaos, soms gewelddadig (zoals onze samenleving) en dat hem dwingt om te reageren. Herken je hier ook een verwantschap of niet?
Ik herken daar een verwantschap, maar ik moet toegeven dat ik me daar niet echt bewust van was. Dadaïsme heeft een sterke indruk op me gemaakt toen ik jong was. Vooral met Kurt Schwitters en Max Ernst. Ook hier: Beweging en geweld zijn zeer belangrijke parameters voor de schilderkunst. Ze maken het mogelijk om precies te zijn, ook al suggereert het uiterlijk het tegendeel.
Anders was er in 2010 alleen maar 'zonder titel'. Is de titel nu een acteur?
Vandaag de dag vind ik dat een doek een titel verdient. Bovendien is het technisch veel eenvoudiger om bestanden, afbeeldingen te beheren, om te communiceren, enz. Maar de titel is niet echt een acteur, hij stelt zich op als een vorm, als een kleur. Het is iets dat aan het doek wordt toegevoegd aan het einde, soms zelfs een beetje eerder, soms moet het worden gecorrigeerd, een beetje zoals een te felle kleur, of te matte, enz. Soms is het nodig om het direct in de schilderkunst te integreren, niet altijd, niet te vaak. Tenslotte legt het niets uit. Het is als iets poëtisch als aanvulling (en daar geloof ik dat we Max Ernst of anderen benaderen). En in die zin wordt het misschien een acteur.
Er is ook ongetwijfeld het formaat dat je zoektocht verandert?? (Dat besef ik in de 3 kolommen die ik heb gemaakt)…
Nogmaals aan de schone kunsten in Nürtingen, ik was 21 jaar, ik begon al vroeg met grote formaten. Ik hield meteen van doeken die zich opdringen, ze zijn er. Het zijn grote dingen, ze roepen iets op, je moet je met hen confronteren. Ik ben erg blij dat ik dat weer heb gevonden. Ik had het grote formaat een beetje opgegeven, omdat het moeilijk was om verhuisd te worden met. (Ik verkocht ze niet altijd snel genoeg zoals vandaag). Ik ben behoorlijk vaak verhuisd in mijn leven. Maar dat had ook een voordeel. Ik geloof dat ik zo heb geleerd om succesvol te zijn met schilderen op kleine formaten. Voilà.
© 2026, Ralf Altrieth