Poemas Pictóricos, Dr. Friedhelm Häring, historiador del arte y director de museo

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Bernard Pignero, escritor

El mundo pictórico de Ralf Altrieth – porque también tiene un mundo musical – es de una coherencia indiscutible. Se puede verificar al confrontar un gran número de obras, de formatos diversos y fechadas en varios años sucesivos. La evidencia se impone entonces: lo que en un cuadro aislado aparece primero como perteneciente a una imaginación llena de fantasía no es más que un elemento, una especie de parada en la imagen, extraído de un mundo imaginario de una abundante riqueza pero de una evidente continuidad. ¿Preexiste este mundo a su revelación en la obra de Altrieth o es una construcción que el artista elabora a medida que avanza en su proceso creativo? En otras palabras, ¿es el artista el mediador o el creador de lo que nos muestra? A menudo es en esta alternativa donde se oculta lo que podríamos llamar la subjetividad creativa: ¿nos habla el artista de su mundo interior, o del que no vemos aunque sea el nuestro? ¿Se pone en escena o es a nosotros a quienes le interesa? Sería vano, o al menos insuficiente, buscar la respuesta en la profusión de una obra ya considerable aunque esta abundancia sea, sin embargo, un indicio importante. De igual manera, el dominio con el que Ralf Altrieth juega con los formatos, yendo del más pequeño al más grande sin pérdida de intensidad narrativa – y se puede incluso suponer que obras monumentales estarían a su alcance si tuviera la oportunidad de producirlas – es un elemento que no se debe pasar por alto. Pero sabemos que producciones artísticas reducidas en número, limitadas en su tema o en su formato pueden imponerse como esenciales. Es lamentable no disponer más que de una docena de lienzos de Vermeer, pero no se necesita más para saber que pertenecen a una visión del mundo tan original como esencial.

Es tentador aferrarse a la idea de que solo hay una realidad: la que vemos y de la que suponemos que todos tienen la misma percepción. Admitimos, a la larga, que cada uno pueda dar una interpretación ligeramente diferente, ya que está claro que el ajuste de nuestros sentidos no está perfectamente estandarizado. Sin embargo, los pintores tienen una loable tendencia a cuestionar esta reconfortante certeza. Ralf Altrieth es de aquellos que no buscan la semejanza con lo real, sino su necesidad. El artista que, hoy en día, se esforzaría por copiar lo que ve y, por lo tanto, demostrarnos que realmente vemos lo mismo, no sería más que un aliado de nuestro conformismo natural. Aunque se puede considerar legítimamente la naturaleza muerta como uno de los picos del arte, pero con la condición de que la naturaleza no esté precisamente muerta. Ese es otro debate.

La obra de Ralf Altrieth te confronta de repente con una realidad diferente, que hoy no podría pretender ser original, pero una realidad que se impone como pertinente, lo que es mucho más raro. Si se admite que en realidad solo hay una realidad, la necesidad de lo real, lo que nos hace compatible con nuestra percepción inmediata del mundo no es un dato accesible de manera espontánea. Sin embargo, el enfoque del artista, su misión o a veces su maldición es proporcionarnos las pruebas tangibles. A la vista está, si el trabajo de Altrieth es efectivamente un enfoque artístico y no duna amable mistificación, no se debe solo a su coherencia y a su dominio formal, sino a algo más que se impone y se escapa a la vez. Es a esta doble capacidad de revelar sin decir que generalmente se mide la fuerza de un arte. Hay en la pintura de Ralf Altrieth una generosidad que no es ni militante, ni didáctica. No denuncia, no juzga el mundo tal como lo expone en la elección de un maravilloso desvío de las evidencias; se limita a describirlo con su propio lenguaje, imagen sin ser deliberadamente onírica, colorido con una total descompresión pero sin hacer de color una profesión de fe, divertido sin querer ser caricaturesco, alegre sin idealismo, enérgico sin ser estruendoso, en suma, un lenguaje profundamente humano.

Numerosos jóvenes artistas sienten la necesidad de trabajar en series, deseando así desarrollar a través de una serie de propuestas artísticas complementarias lo que una sola obra no podría concentrar. Ralf Altrieth demuestra una madurez o una fuerza más afirmada en el sentido de que, si bien destaca en la yuxtaposición de series de pequeños cuadros cuya acumulación es evidentemente jubilosa, sorprende constatar que cada uno de ellos puede defender por sí solo su propia necesidad. Se siente en esta pintura llena de vida y movimiento, y no solo en los grandes formatos, un asombro por el ser, una apertura a todas las potencialidades de la vida, una interrogación constante ante los misterios de lo humano. Se lee una voluntad de ir resueltamente pero alegremente a buscar la belleza en sus últimos rincones. No hay complacencia pero tampoco dramatización en esta pintura sana, vigorosa, sensible más que sensual.

En cuanto a la cuestión de saber si el artista es el mediador o el inventor del mundo que expone, no nos corresponde responder en su lugar, pero nos importa que este mundo nos sea accesible y nos dé ganas de explorarlo más a fondo. Ralf Altrieth nos invita a ello con una total generosidad. ¿No es esto lo que autentica primero la firma de un artista?

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Louis Doucet, coleccionista, crítico de arte, comisario de exposiciones independiente miembro de C|E|A

Desde hace varios años, Ralf Altrieth pinta episodios extraídos de un mundo imaginario y fantasioso que parece haber creado de la nada. Pero, al mirarlo más de cerca, uno se pregunta si se trata de los reflejos de un mundo interior o de la relectura de una realidad exterior? La pregunta permanece abierta... Lo que es cierto es que sus obras se quieren narrativas, cuentan historias, tristes o cómicas, pero siempre desfasadas, incluso perturbadoras o provocativas... Responden a este principio denecesidad interior, reivindicado por Kandinsky que escribía: "Cualquiera que no sea alcanzado por la resonancia interior de la forma (corporal y sobre todo abstracta) siempre considerará una tal composición como perfectamente arbitraria."

Las pinturas de Ralf Altrieth cuestionan nuestras certezas. Se trata, ciertamente, de realidad, pero de una realidad que trasciende las apariencias, a menudo engañosas, de nuestro mundo físico. Como si el artista estuviera dotado de una visión radiográfica que permite sondear el fondo de la superficie de las cosas para concentrarse en su esencia. Es por eso que evita el escollo de la caricatura, incluso cuando quiere ser gracioso o crítico. Se trata de un trabajo de desvío – o más bien de reencuadre – de las certezas perceptivas en beneficio de la visión de un tercer ojo que sondearía las profundidades de nuestra humanidad.

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Entrevista con Marie de Grossouvre, galería Théo de Seine, París

¿Te parece que ha habido una gran evolución en tu trabajo desde 2010 (fecha de las primeras pinturas que dejaste en la galería)?

Las primeras pinturas que expuse en la galería Théo de Seine son muy importantes en mi trabajo. Lo que era nuevo era sobre todo el principio de superposición. Con eso, logré hacer una pintura más precisa. Más precisa en el sentido de que la encuentro más acorde a mi forma de ver las cosas. Abrí una puerta. Y encontré una forma de pintar que realmente me correspondía y que me permitía, precisamente, llevar la pintura más lejos.

Hasta hoy, realmente no ha habido un cambio, pero por supuesto una evolución, quizás no muy grande, pero importante. Mi trabajo era muy tranquilo hace dos o tres años. El proceso era bastante lento. Hoy, se añaden momentos muy impulsivos. Ya había radicalidad en esa época, en el sentido de que mis lienzos estaban sujetos a grandes cambios durante el proceso. Hoy es igual, pero hay fases variables en el tempo, diferentes en atmósfera. Además, busco ir más allá con el color, la pintura en sí y la textura. Realmente quiero dejar toda libertad a la pintura. No quiero encerrarla en una jaula. No tiene ningún servicio que devolverme.

Eso me parece, pero ¿es una evolución voluntaria, un deseo de hacer evolucionar tu trabajo en tal o cual dirección?

Es una necesidad y al mismo tiempo una voluntad, porque hay que observarse un poco. Y no tengo muchas ganas de reproducirme, de hacer variaciones. Cada lienzo es una nueva aventura y no sé a dónde me lleva. Pero sobre todo, trato de ser lo más atento posible. La pintura me enseña, y esta reflexión genera automáticamente nuevas direcciones.

He registrado que has rechazado una enseñanza oficial para aprender de manera más autodidacta, pero entonces:

¿Te inscribes más en una visión más «arte bruto», con la idea de «cultura asfixiante» como dice Dubuffet, o hay artistas cuyo trabajo miras mucho y que te inspiran?

Un motor principal en mi vida, en mi arte es la libertad, la necesidad de ser libre. Me sentía más libre fuera de una institución educativa. Y si se observa bien, la mayoría de los artistas que han logrado hacer algo personal e innovador, eso se traduce más bien en una ruptura con su enseñanza. Quizás no quería esperar con eso.

Pero es cierto, me siento cercano al movimiento del arte bruto, especialmente con personas como Chaissac, a quien realmente descubrí hace no mucho tiempo.

No estoy realmente en contra de las escuelas de arte, pero creo que a veces producen aspectos menos positivos para el arte, como la manera de pensar en una carrera, el apego a ciertas posiciones, al seleccionar se valoriza a algunos, a otros no en absoluto, etc. Se mete todo en cajones, etc.

Yo mismo no tendría muchas ganas de enseñar. Las cosas más importantes se aprenden observando la vida y, por supuesto, también a otros artistas.

Por ejemplo, Basquiat, si trato de confrontar tu trabajo con el suyo, veo puntos en común, en la manera de apegarse a la superficie del lienzo, en la búsqueda de una «armonía colorida» (aunque no sea convencional), para él también, la experiencia del momento en que pintaba debía ser importante...

Pero su historia es diferente a la tuya, y en tu caso, una de las diferencias también está en los temas, hay más referencias al mundo de la infancia, al humor, aunque en la forma hay algo bastante violento. ¿Qué piensas?

Sin duda hay puntos en común entre mi trabajo y el de Basquiat. También he aprendido algo importante en su pintura, como en la pintura de otros artistas con los que me siento cercano: es la radicalidad. Intento llevar la pintura más allá. La pintura es algo más grande que yo. La radicalidad permite ir más lejos, desprenderse, ver más. Hoy en día, al pintar lienzos, me estoy creando a mí mismo. No tiene nada que ver con la cuestión de si me gusta la pintura o no. Es más bien una cuestión de precisión. Y aquí vuelvo a tu pregunta. Los temas se introducen por sí mismos. Basquiat recibió un libro sobre anatomía cuando era joven, creo que estaba en el hospital en ese momento. Mis temas vienen de otro lugar. Y no vivo en Nueva York y no tengo ganas de consumir drogas fuertes. Encuentro la vida en sí misma maravillosa, aunque es cierto que hay cosas terribles en este mundo. Pero eso no tiene nada que ver con la vida. No puedo dejar cosas oscuras en mis lienzos (aunque a veces lo logro muy bien, pero no quiero dejarlo así.)

Y sí, la infancia y el humor están muy cerca de la libertad. Siendo niño, no calculamos, simplemente somos. Esa es la libertad, aunque tengamos que aprender ciertas cosas. Y el humor es el medio perfecto para mantener distancia, para crear una distancia. Tengo la impresión de que si logramos alejarnos de nosotros mismos cada vez más, nos acercamos finalmente más que nunca a nosotros mismos.

Por otra parte, me digo que hay algo de Dada en tu trabajo tanto en esta manera de añadir texto en las pinturas (digamos que los dadaístas son los primeros en haberlo hecho mucho) y en esta voluntad de no dejar al espectador contemplar en paz, sino de hacer una pintura en movimiento, en caos, a veces violenta (como nuestra sociedad) que lo obliga a reaccionar. ¿También aquí es un parentesco que reconoces o no?

Reconozco ahí un parentesco, pero debo admitir que no era muy consciente de ello. El dadaísmo tuvo una fuerte impresión en mí cuando era joven. Sobre todo con Kurt Schwitters y Max Ernst. Una vez más: El movimiento, la violencia son parámetros muy importantes para la pintura. Permiten ser precisos, incluso si la apariencia sugiere lo contrario.

De lo contrario, en 2010, solo había «sin título». ¿Ahora, el título es un actor?

Hoy, encuentro que un lienzo merece un título. Además, es técnicamente mucho más simple gestionar los archivos, las imágenes, para comunicar, etc. Pero el título no es realmente un actor, se impone como una forma, como un color. Es algo que se añade al lienzo al final, a veces incluso un poco antes, a veces debe ser corregido, un poco como un color demasiado brillante, o demasiado mate, etc. A veces, es necesario integrarlo directamente en la pintura, no siempre, no demasiado a menudo. Después de todo, no explica nada. Es como algo poético en suplemento (y ahí, creo que nos unimos a Max Ernst u otros). Y en ese sentido, tal vez se convierta en actor.

También hay sin duda el formato que cambia tu búsqueda?? (Me doy cuenta de esto en las 3 columnas que he hecho)…

De nuevo en las bellas artes en Nürtingen, tenía 21 años, comencé muy pronto con formatos grandes. Desde el principio me gustaron los lienzos que se imponen, que están ahí. Son cosas grandes, llaman la atención, uno se ve obligado a confrontarse con ellos. Estoy muy contento de haber recuperado eso. Había abandonado un poco los formatos grandes, porque era difícil demasiado mudarse con ellos. (No los vendía siempre lo suficientemente rápido como hoy en día). Me he mudado bastante en mi vida. Pero eso también tenía una vantaja. Creo que así fue como aprendí a tener éxito en la pintura en formatos pequeños. Eso es.

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