Articoli di stampa e critiche
"(...) Nella pittura di Ralf Altrieth c'è una generosità che ha il suo lenguaje proprio, immaginifico e colorato, senza fare del colore una professione di fede, divertente senza voler essere caricaturale, gioioso senza idealismo, énergico senza essere tonante, insomma un linguaggio profondamente humano."
— Bernard Pignero, scrittore
"(...) La sua scrittura attraverso il gesto e il colore descrive un mondo aperto a nuove voci e a esperienze mai tentate. Le sue tele e le sue opere su carta dimostrano che la pittura rimane un'espressione principale della scena contemporanea"
Intervista con Laurent Puech, storico e curatore al Castello d'Assas>> Leggi l'articolo
Louis Doucet, collezionista, critico d'arte e curatore indipendente>> Leggi l'articolo
Intervista con Marie de Grossouvre, galleria Théo de Seine, Parigi >> Leggi l'articolo
Poemi Picturali, Dr. Friedhelm Häring, storico dell'arte e direttore di museo
Laurent Puech, storico dell'arte e curatore al castello di Assas, aiuta nella visita
Il castello di Assas è orgoglioso di presentare al pubblico una mostra monografica dedicata al pittore Ralf Altrieth. Impronte di una vitalità insolente, che mescola ritmi direttamente nella materia pittorica attraverso la trasparenza e il sovrapporsi, le sue tele si ricollegano a manifestazioni sulla pittura contemporanea che non venivano più prodotte qui negli ultimi anni.
I dibattiti sulla pittura sono vivaci in Francia, dove le ultime avanguardie del ventesimo secolo hanno voltato le spalle al quadro. Ma una tale rottura con il sistema di rappresentazione e le sue procedure pittoriche non è irreversibile. Molti grandi pittori francesi come Pierre Soulages (nato nel 1919), Martial Raysse (nato nel 1936) o Noël Dolla (nato nel 1945) conoscono un'attività ininterrotta sulla scena internazionale, a differenza dei loro predecessori del primo XX secolo, non sono più in anticipo. Gli americani, i tedeschi e più in generale la sfera anglosassone, dominano oggi la creazione pittorica con artisti famosi come David Hockney (nato nel 1937), Gerhard Richter (nato nel 1932), Marlène Dumas (nata nel 1953) o Mark Bradford (nato nel 1961) che non smettono di rivalutarla.
Nel 2015, la 56a biennale di Venezia ha messo in evidenza la violenza espressiva della pittura con il colpo d'occhio sorprendente di autoritratti giganti di Georg Baselitz (nato nel 1938) e le opere esposte nello spazio di Katharina Grösse (nata nel 1961) che proietta il colore con una pistola su teli alti diversi metri. Il gesto e la materialità della pittura sono ripensati da questi due artisti con una veemenza espressionista decisamente attuale.
Ralf Altrieth (nato nel 1966) si colloca nella corrente del nuovo espressionismo tedesco senza appartenere a una scuola precisa; al massimo ha, come nella musica, ricevuto le basi di una formazione da prestigiosi iniziatori** senza andare oltre nel perfezionamento di un semplice vocabolario estetico. Questo pittore e sassofonista non cerca una formula definitiva ma l’invenzione sempre rinnovata d’affinità emotive ed espressive.
Originario di una terra così feconda quanto contesa, fraterno paese d’accoglienza del Rifugio ugonotto dove numerosi tratti si sono fissati nel corso dei secoli dai pendii vitivinicoli del Neckar alla capitale finanziaria della Germania, Francoforte, Ralf Altrieth si tiene a distanza dalla suamadrepatriasenza essere diventato risolutamente francese per quanto riguarda***. Senza dubbio mantiene così la sua indipendenza di spirito e la sua libertà di agire come plasticiano stando a distanza da questioni particolarmente estetiche limitate al contesto nazionale. Come nell’improvvisazione jazzistica, le sovrapposizioni e le cancellazioni che aprono o chiudono lo spazio, costruiscono una dinamica per ciascuna delle sue opere. L’iscrizione di ideogrammi, l’elementarizzazione di graffiti, i tratti ricorrenti della figura umana e animale vi costruiscono una superstruttura scritturale dove si intuisce il mondo così come lo vededall’interno. Contro la purezza estetica e le verità morali dell’arte del passato si percepisce, dall’esterno,il mondo perfettoche ci ha promesso.
Incentrato sulla densità dell’istante e mantenendo la sua spontaneità, Ralf Altrieth si dedica a produrre opere prive di teatralità. Simile a uno sportivo o a un musicista, il suo atto performativo non ammette alcun rinvio nella sua narrazione, come testimonia l’eterogeneità della superficie pittorica delle sue opere. L’influenza di Pablo Picasso (1881-1973), di Jean Dubuffet (1901-1985) o di Jean Michel Basquiat (1960-1988) non chiude una visione costruita sul rinnovamento. Le espressioni plastiche molto affermate che si potrebbero quasi qualificare comeudibili, soprattutto in riferimento a un musicista jazz come Ralf Altrieth, portano tutte una parte essenziale di ribellione. Fortemente impregnate d’infanzia, attraversate dalle malattie dell’anima adolescenziale e dalla guarigione dell’età adulta, la singolarità feroce di questo giovane pittore trasmette un carattere universale che sa condividere, come testimonia questa presentazione, eccezionale per la sua densità,
Laurent Puech,
curatore della mostra
* del gruppo Supporto(i)/Superficie(i)
** in particolare nello studio di Georg Schaible (1907-2007), pittore e incisore tedesco rappresentante del «realismo espressivo»
*** Ralf Altrieth vive e lavora in Francia dal 2006
Laurent Puech, storico dell'arte e curatore al castello di Assas, colloquio con Ralf Altrieth
« Il mondo perfetto », in un certo senso il titolo che avete scelto per questa esposizione vi colloca esattamente nel vostro rapporto con gli altri e con la società. Fa una constatazione non priva di una certa ironia mentre evoca una costruzione futura scoperta dalla vostra espressione plastica. In ogni caso, questa formula può essere compresa in due modi diversi, o si tratta di un progetto in divenire, o di una realtà presente, potreste chiarirci la vostra posizione?
Sì, c'è ironia, ma non solo. Vedo questo titolo anche come una sfida, un manuale, una credenza, un gioco, un'affermazione, una provocazione rivolta alla realtà presente.
Qualcosa di perfetto è senza difetti. Ma un difetto constatato è sempre relativo, soggettivo, visto da un certo angolo. Non esiste verità assoluta su ciò che è un difetto o meno. Questa teoria è, certo, estrema ma, spingendo oltre la riflessione, si potrebbe dire che, in assoluto, un difetto apparente non è un difetto. Il mondo è quindi perfetto.
La mia pittura funziona un po' così. Cerco di coltivare l'arte di rimanere attento ai casi fortuiti e agli errori (difetti, fallimenti, imprecisioni, dettagli disturbanti,...) che possono verificarsi durante il processo di lavoro, e che sono infine spesso molto promettenti.
Ammetto quindi che ci sono cose che si verificano, non volute in un primo momento, nell'atto di fare, che sono forti, grandi, importanti e che fanno parte della mia pittura, allo stesso modo delle cose volute (impulsi, idee, costruzioni, ecc.), e con le quali devo lavorare.
Quindi, non metto in discussione i miei mezzi, le mie capacità, il mio know-how. Accetto tutto ciò che mi viene messo a disposizione, e questo mi apre a prospettive sorprendenti.
Abbiamo discusso più volte sulla storia dell'arte riguardo alle influenze che attraversano consapevolmente o inconsapevolmente la vostra creazione. Esse sono numerose, sinceramente amate e nessuna è dominante, mi è sembrato però che a causa del suo profilo di musicista e di artista visivo, voi tratteniate la figura di A. R. Penck (1939-2017), un artista che è stato messo da parte e perseguitato per molti anni nella RDT e poi, in seguito, ha conosciuto un successo internazionale passando a Ovest nel 1980. Rispetto ai pittori tedeschi del neo-espressionismo a cui è associato, è colui che modella un universo di segni grafici extraeuropei come la calligrafia e al di fuori del consueto ambito della pittura "storica" come il graffiti, la sua singolarità e il suo rifiuto di appartenere a qualsiasi nazionalismo trovano eco in voi?
Certo, è la singolarità che definisce un grande artista. È essa che aggiunge qualcosa di nuovo. Può semplicemente essere qualcosa di unico, di singolare. Non è necessario rivoluzionare completamente la pittura.
E mi sembra abbastanza logico che la singolarità non si accordi bene con l'idea di appartenere a un nazionalismo, a un gruppo qualsiasi. Si vede bene che i gruppi di artisti pittori (Dada, Surrealismo, Cobra, Espressionismo,...) non funzionavano mai bene, in ogni caso non a lungo. Tutti questi artisti che appartenevano a tali gruppi erano più o meno artisti singolari, che hanno tentato, avvertito il bisogno di riunirsi in gruppi. Ma non è possibile. Sono in effetti le loro opere che li avvicinano, che li uniscono, perché si trovano modi di espressione che si fanno eco, che si somigliano come i membri di una stessa famiglia.
È il caso di Penck, che adoro, ma senza mai guardarlo da troppo vicino (amare significa anche mantenere un po' di distanza.) In ogni caso, la sua opera è straordinaria, assolutamente singolare, è inclassificabile e, allo stesso tempo, lo si colloca nella famiglia dei neo-espressionisti, precisamente tedeschi. Forse non bisogna prendere questo troppo sul serio. Infatti, chi sono esattamente i neo-espressionisti tedeschi? In numero, non ce ne sono molti.
Ma, per parlare in modo più concreto della sua pittura, c'è un aspetto pittorico in Penck che mi affascina molto: è capace di fare grandi tele, di tele molto grandi con un gesto e in un solo strato; non mette un secondo strato, né un terzo, ecc. Non ci sono qualità di texture, e questo non è mai fastidioso, funziona, e forse è qui che ritroviamo il musicista: vibra, danza, suona.
Curiosamente per me, sei anche legato alla pittura di Gérard Garouste (nato el 1946) di cui si può dire che è saturata di riferimenti ai maestri antichi come Il Tintoretto, alla spiritualità biblica e persino alla rivelazione mistica del Talmud! Il suo itinerario artistico, che include l'influenza decisiva di Jean Dubuffet (1901-1985), ti collegherebbe di più a lui che alla sua espressione stessa?
Prima di tutto una nota: nel nostro colloquio, quando abbiamo parlato di Garouste, pensavo a El Greco. Non so perché ho detto Il Tintoretto. Forse dovremmo mettere qui il nome El Greco invece di Tintoretto. Trovo che ci siano davvero dei punti in comune nelle loro pitture. (« Visione di San Giovanni » o « Il Laocoonte » per esempio)
È sempre l'espressione stessa che mi collega a un artista. In un museo, in una mostra, assorbo l'opera, non leggo i testi esplicativi (più tardi, forse, a casa). È come se andassi al cinema, a teatro o a un concerto. Mi immergo. Ho voglia di essere con la pittura. È fatta per questo. Gérard Garouste conclude un paragrafo in un'intervista dicendo: « Eppure, lo sai, un quadro non ha nulla da dire, è semplicemente ».
Sono completamente d'accordo con questo. La pittura è semplicemente, e io sono semplicemente con essa. E posso stare molto bene con la pittura di Gérard Garouste. Solo con i suoi quadri, non ho bisogno di interessarmi al contesto, alle fonti, alle idee. Ciò che lui stesso conferma del resto.
Sì, mi piace la sua pittura. Soprattutto il suo periodo degli anni ottanta, che è così ricco, così singolare, c'è il classico accanto all'arte brut e anche all'arte abstratta, è affascinante. È una pittura che mi nutre.
Non sapevo che Jean Dubuffet avesse una grande influenza su di lui. Ma, alla fine, non mi sorprende. Mi piace la pittura di entrambi. E mi piace la pittura di El Greco.
Ma evocare Garouste significa anche menzionare il passaggio di una grave depressione psicologica nella vita di un artista, la tua espressione personale a volte si avvicina a questo punto di squilibrio e fa pensare che tu non sia indifferente a questa questione della rappresentazione psichica che era rivendicata in particolare da Jackson Pollock, che parlava delle sue pitture come di « muri interiori ».
È semplicemente impossibile fare arte in uno stato di equilibrio. Altrimenti, non si fa. Altrimenti è artigianato, illustrazione, decorazione, o altro. Si può forse avvertire il bisogno di equilibrare qualcosa. Ma in ogni caso non ci si riesce. Non a lungo, comunque. Non può quindi essere nemmeno una terapia. Non si guarisce lì. Lo squilibrio non è necessariamente una malattia. Questo è il destino di un pittore. Non si può farci nulla, bisogna farci i conti.
Quindi sì, gli elementi psichici sono fondamentali. Ma, per me, non si tratta di rappresentare il psichico. D'altronde, non mi piace molto la parola « rappresentazione » in generale nella pittura. Trovo che ogni pittura sia, alla base, astratta, anche una mela in una natura morta.
Questo ci riporta a ciò che ho menzionato prima: che la pittura non « dice nulla, è semplicemente ».
Quindi sì, gli stati psichici fanno parte della mia pittura, ma non sono rappresentati.
E non bisogna essere un po' squilibrati per voler dipingere una mela?
Essendo sia musicista jazz che pittore, passi da una disciplina all'altra a seconda del momento, perciò non c'è mai ripetizione in te, inventi incessantemente con un gusto per l'istante presente. Significa anche che rivendichi una leggerezza dell'essere invece di andare verso quella profondità a volte pesante che si attacca agli artisti che si prendono per guide spirituali?
È follia voler fare entrambe le cose, e più volte nella mia vita ho cercato di smettere di fare l'una o l'altra. E, allo stesso tempo, l'idea di non limitarmi a una di queste discipline mi è sempre piaciuta. Proprio per rimanere forse più leggero, più libero.
In ogni caso, ciò che è fondamentale è assicurarsi di mantenere sempre una certa distanza, e per un pittore mi sembra la cosa più essenziale e ovvia che ci sia. È nella natura della pittura stessa, di qualsiasi genere di pittura: se dipingi astratto, paesaggi, nature morte, figurativo, espressivo o altro, la distanza è innata nell'atto del pittore e, naturalmente, anche nell'atto di percepire la pittura.
Ma devo aggiungere che, negli ultimi anni, sono molto concentrato sulla pittura. La musica è un po' in secondo piano, ma sta di nuovo riprendendo il suo posto nella mia vita.
Bernard Pignero, scrittore
Il mondo pittorico di Ralf Altrieth – poiché ha anche un mondo musicale – è di una coerenza incontestabile. Si può verificarlo confrontando un gran numero di opere, di formati diversi e datate in diversi anni successivi. L'evidenza si impone allora: ciò che su un quadro isolato appare inizialmente come frutto di un'immaginazione piena di fantasia non è che un elemento, una sorta di fermo immagine, estratto da un mondo immaginario di una ricchezza abbondante ma di una continuità evidente. Questo mondo preesiste alla sua rivelazione nell'opera di Altrieth o è una costruzione che l'artista elabora man mano che avanza nel suo percorso creativo? In altre parole, l'artista è il mediatore o il creatore di ciò che mostra? È spesso in questa alternativa che si nasconde ciò che si potrebbe chiamare la soggettività creativa: l'artista ci parla del suo mondo interiore, o di quello che non vediamo anche se è il nostro? Si mette in scena o è a noi che si interessa? Sarebbe vano, o quantomeno insufficiente, cercare la risposta nella profusione di un'opera già considerevole, sebbene questa abbondanza sia comunque un indice importante. Allo stesso modo, la maestria con cui Ralf Altrieth gioca con i formati, passando dal più piccolo al più grande senza perdita di intensità narrativa – e si può persino supporre che opere monumentali sarebbero alla sua portata se avesse l'opportunità di produrle – è un elemento da non trascurare. Ma si sa che produzioni artistiche ridotte in numero, limitate nel loro soggetto o nel loro formato possono imporsi come essenziali. È deplorevole non disporre più che di una dozzina di tele di Vermeer, ma non serve altro per sapere che esse appartengono a una visione del mondo tanto originale quanto essenziale.
È tentante l'idea di attenersi al fatto che ci sia una sola realtà: quella che vediamo e di cui supponiamo che tutti abbiano la stessa percezione. Ammettiamo, a rigore, che ognuno possa darne un'interpretazione leggermente diversa, poiché è chiaro che l'affinamento dei nostri sensi non è perfettamente standardizzato. Tuttavia, i pittori hanno una lodevole tendenza a mettere in discussione questa rassicurante certezza. Ralf Altrieth è uno di quelli che non cercano la somiglianza con il reale, ma la sua necessità. L'artista che, oggi, si sforzerebbe di copiare ciò che vede e quindi di dimostrarci che vediamo davvero la stessa cosa non sarebbe altro che un alleato del nostro conformismo naturale. Anche se si può legittimamente considerare la natura morta come uno dei vertici dell'arte, a condizione che la natura non sia proprio morta. Questo è un altro dibattito.
L'opera di Ralf Altrieth ti mette improvvisamente di fronte a una realtà diversa, che oggi non può pretendere all'originalità, ma una realtà che si impone come pertinente, il che è molto più raro. Se si ammette che in effetti esiste una sola realtà, la necessità del reale, ciò che la rende compatibile con la nostra percezione immediata del mondo non è un dato spontaneamente accessibile. Ora, il compito dell'artista, la sua missione o talvolta la sua maledizione è fornirci prove tangibili. È evidente che, se il lavoro di Altrieth è effettivamente il risultato di un processo artistico e non di una mite mistificazione, non deve solo alla sua coerenza e alla sua padronanza formale, ma a qualcosa di più che si impone e si sottrae allo stesso tempo. È a questa doppia capacità di riportare senza dire che si misura generalmente la forza di un'arte. Nella pittura di Ralf Altrieth c'è una generosità che non è né militante, né didattica. Non denuncia, non giudica il mondo così come lo espone nel partito preso di un meraviglioso travisamento delle evidenze; si limita a descriverlo con il proprio linguaggio, imaginoso senza essere deliberatamente onirico, colorato con una totale desinibizione ma senza fare del colore una professione di fede, divertente senza voler essere caricaturale, gioioso senza idealismo, energico senza essere tonante, insomma un linguaggio profondamente umano.
Molti giovani artisti sentono il bisogno di lavorare per serie, desiderando così declinare attraverso una sequenza di proposte artistiche complementari ciò che un'unica opera non potrebbe concentrare. Ralf Altrieth dimostra una maturità o una forza più affermata in questo senso, poiché sebbene eccella nel giustapporre serie di piccoli quadri la cui accumulazione è ovviamente jubilatoria, si rimane sorpresi nel constatare che ognuno di essi può difendere da solo la propria necessità. Si percepisce in questa pittura piena di vita e movimento, e non solo nei grandi formati, un meravigliamento dell'essere, un'apertura a tutte le potenzialità della vita, un'interrogazione costante di fronte ai misteri dell'umano. Si legge una volontà di andare risolutamente ma gioiosamente a scovare la bellezza nei suoi ultimi rifugi. Nessuna compiacenza ma nessuna drammatizzazione in questa pittura sana, vigorosa, sensitiva più che sensuale.
Per quanto riguarda la questione se l'artista sia il mediatore o l'inventore del mondo che espone, non ci è dato rispondere al suo posto, ma ci importa che questo mondo ci sia accessibile e ci dia voglia di esplorarlo ulteriormente. Ralf Altrieth ci invita a farlo con totale generosità. Non è forse questo ciò che autentica prima di tutto la firma di un artista?
Stéphane CERRI, giornalista culturale
Anche se è un po' riduttivo, da mezzo secolo c'è sempre stata da parte delle avanguardie francesi una diffidenza nei confronti della pittura e spesso, anche pulsioni omicide. Un atteggiamento che non è mai esistito tra gli artisti contemporanei oltre Reno... In sostanza BMPT e Supporti/Superfici contro Polke, Richter, Kippenberger e Baselitz... La morte del quadro contro la continua rimessa in piano...
In questo grande caos, lo spazio « deve essere aperto », perché nella « buona pittura, c'è un lavoro da fare da parte di chi guarda, altrimenti è molto noioso ». In un gioco di profondità, di sovrapposizione, con un'alternanza di forme che convergono verso l'interno o si estendono verso l'esterno, Ralf Altrieth mescola i generi, le immagini, gli stili, facendoli scontrare. « Come nella vita in cui non siamo che particelle ». Nelle tele libere in grande formato, l'occhio deve rimbalzare, aggrapparsi, distaccarsi, è catturato dal colore, dall'energia del gesto, dalle coabitazioni strane, dai ritmi musicali del jazz dove Ralf Altrieth suona anche come sassofonista, appassionato di improvvisazione.
Louis Doucet, collezionista, critico d'arte, curatore indipendente membro di C|E|A
Da diversi anni, Ralf Altrieth dipinge episodi tratti da un mondo immaginario e fantasioso che sembra aver creato da zero. Ma, a guardare meglio, ci si chiede se si tratti dei riflessi di un mondo interiore o della rilettura di una realtà esterna? La questione rimane aperta… Ciò che è certo è che le sue opere vogliono essere narrative, raccontano storie, tristi o comiche, ma sempre spiazzanti, persino disturbanti o provocatorie… Rispondono a questo principio dinecessità interiore, rivendicato da Kandinsky che scriveva: « Chiunque non sarà colpito dalla risonanza interiore della forma (corporea e soprattutto astratta) considererà sempre una tale composizione come perfettamente arbitraria. »
I dipinti di Ralf Altrieth mettono in discussione le nostre certezze. Qui si tratta, certo, di realtà, ma di una realtà che trascende le apparenze, spesso ingannevoli, del nostro mondo fisico. Come se l’artista fosse dotato di una visione radiografica che permette di sondare il sotto della superficie delle cose per concentrarsi sulla loro essenza. È per questo che evita l’errore della caricatura, anche quando vuole essere divertente o critico. Si tratta di un lavoro di deviazione – o piuttosto di ricentramento – delle certezze percettive a favore della visione di un terzo occhio che sondarebbe i fondamenti della nostra umanità.
Intervista con Marie de Grossouvre, galleria Théo de Seine, Parigi
Ti sembra che ci sia una grande evoluzione nel tuo lavoro dal 2010 (data dei primi dipinti che hai lasciato in galleria)?
I primi dipinti che ho esposto alla galleria Théo de Seine sono molto importanti nel mio lavoro. Ciò che era nuovo era soprattutto il principio di sovrapposizione. Con questo, sono riuscito a fare un dipinto più preciso. Più preciso nel senso che lo trovo più conforme al mio modo di vedere le cose. Ho aperto una porta. E ho trovato un modo di dipingere che mi corrispondeva davvero e che mi permetteva di spingere ulteriormente la pittura.
Fino ad oggi, non c'è davvero stato un cambiamento, ma certo un'evoluzione, forse non molto grande, ma importante. Il mio lavoro era molto tranquillo due o tre anni fa. Il processo era piuttosto lento. Oggi, ci sono momenti molto impulsivi. C'era già radicalità all'epoca, nel senso che le mie tele subivano grandi cambiamenti durante il processo. Oggi è lo stesso, ma ci sono fasi variabili in tempo, diverse in atmosfera. Inoltre, cerco di andare oltre con il colore, la pittura in sé e la texture. Ho davvero voglia di lasciare tutta libertà alla pittura. Non voglio rinchiuderla in una gabbia. Non ha alcun servizio da rendermi.
Mi sembra così, ma è un'evoluzione volontaria, una voglia di far evolvere il tuo lavoro in una direzione piuttosto che in un'altra?
È un bisogno e allo stesso tempo una volontà, perché bisogna pur osservare un po' se stessi. E non ho molta voglia di ripetermi, di fare variazioni. Ogni tela è una nuova avventura e non so dove mi porterà. Ma soprattutto, cerco di essere il più attento possibile. La pittura mi insegna, e questa riflessione genera automaticamente nuove direzioni.
Ho ben registrato che hai rifiutato un insegnamento ufficiale per imparare in modo più autodidatta, ma quindi:
Ti iscrivi più in una visione di «arte brut», con l'idea di «cultura asfissiante» come dice Dubuffet, o ci sono artisti il cui lavoro segui molto e che ti ispirano?
Un motore principale nella mia vita, nella mia arte è la libertà, il bisogno di essere libero. Mi sentivo più libero al di fuori di un'istituzione educativa. E se si osserva bene, la maggior parte degli artisti che sono riusciti a fare qualcosa di personale e innovativo, questo si traduceva piuttosto in una rottura con il loro insegnamento. Forse non volevo aspettare con questo.
Ma è vero, mi sento vicino al movimento dell'arte brut, soprattutto con persone come Chaissac, che ho davvero scoperto non molto tempo fa.
Non sono davvero contro le scuole d'arte, ma trovo che a volte producano aspetti meno positivi per l'arte, come il modo di pensare a una carriera, l'attaccamento a posizioni, selezionando si valorizzano alcuni, altri per niente, ecc. Mettiamo tutto in cassetti, ecc.
Io stesso non avrei molta voglia di insegnare. Le cose più importanti si apprendono osservando la vita e, naturalmente, anche altri artisti.
Per esempio, Basquiat, se cerco di confrontare il tuo lavoro con il suo, vedo dei punti in comune, nel modo di attaccarsi alla superficie della tela, nella ricerca di un'«armonia colorata» (anche se non è convenzionale), per lui anche l'esperienza del momento in cui dipingeva doveva essere importante...
Ma la sua storia è diversa dalla tua, e nel tuo caso, una delle differenze è anche nei temi, ci sono più riferimenti al mondo dell'infanzia, all'umorismo, anche se nella forma c'è qualcosa di abbastanza violento. Cosa ne pensi?
Ci sono sicuramente dei punti in comune tra il mio lavoro e quello di Basquiat. Ho anche imparato una cosa importante dalla sua pittura, come da quella di alcuni altri pittori a cui mi sento vicino: è la radicalità. Cerco di spingere la pittura oltre. La pittura è qualcosa di più grande di me. La radicalità permette di andare oltre, di distaccarsi, di vedere di più. Oggi trovo che dipingendo tele, mi creo da solo. Non ha nulla a che fare con la questione se la pittura mi piaccia o meno. È piuttosto una questione di correttezza. E qui torno alla tua domanda. I soggetti si introducono da soli. Basquiat ricevette un libro sull'anatomia quando era giovane, - credo fosse in ospedale in quel periodo. I miei soggetti, invece, vengono da altrove. E non vivo a New York e non ho voglia di consumare droghe pesanti. Trovo la vita in sé magnifica, anche se è certo che ci sono cose terribili in questo mondo. Ma non ha nulla a che fare con la vita. Non riesco a lasciare cose oscure nelle mie tele (anche se a volte ci riesco molto bene, ma non ho voglia di lasciarle così).
E sì, l'infanzia e l'umorismo sono molto vicini alla libertà. Da bambini, non calcoliamo, siamo. Questa è la libertà, anche se siamo costretti ad imparare alcune cose. E l'umorismo è il mezzo perfetto per mantenere una distanza, per creare una distanza. Ho l'impressione che se riusciamo a allontanarci sempre di più da noi stessi, ci avviciniamo infine più che mai a noi stessi.
Inoltre, mi sembra che ci sia qualcosa di Dada nel tuo lavoro, sia in questo modo di aggiungere testo nei dipinti (diciamo che i dadaisti sono stati i primi a farlo molto) sia in questa volontà di non lasciare lo spettatore a contemplare in pace, ma di creare un dipinto in continuo movimento, in caos, a volte violento (come la nostra società) che lo costringe a reagire. Anche qui, è una parentela che riconosci o no?
Riconosco una parentela, ma devo ammettere che non ne ero molto consapevole. Il dadaismo ha avuto un forte impatto su di me quando ero giovane. Soprattutto con Kurt Schwitters e Max Ernst. Ancora una volta: il movimento, la violenza sono parametri molto importanti per la pittura. Permettono di essere precisi, anche se l'apparenza suggerisce il contrario.
Altrimenti, nel 2010, c'erano solo «senza titolo». Ora, il titolo è un attore?
Oggi, trovo che una tela meriti un titolo. Inoltre, è tecnicamente molto più semplice gestire i file, le immagini, per comunicare, ecc. Ma il titolo non è davvero un attore, si impone come una forma, come un colore. È qualcosa che si aggiunge alla tela alla fine, a volte anche un po' prima, a volte deve essere corretto, un po' come un colore troppo brillante o troppo opaco, ecc. A volte, è necessario integrarlo direttamente nella pittura, non sempre, non troppo spesso. Dopotutto, non spiega nulla. È come qualcosa di poetico in aggiunta (e qui, credo che ci si avvicini a Max Ernst o ad altri). E in questo senso, forse diventa un attore.
C'è anche senza dubbio il formato che cambia la tua ricerca?? (Me ne rendo conto nelle 3 colonne che ho fatto)…
Ancora alle belle arti a Nürtingen, avevo 21 anni, ho iniziato molto presto con grandi formati. Mi sono subito piaciuti i dipinti che si impongono, che sono lì. Sono grandi cose, interpellano, siamo costretti a confrontarci con loro. Sono molto contento di aver ritrovato questo. Avevo abbandonato un po' i grandi formati, perché era difficile demolire con. (Non li vendevo sempre abbastanza rapidamente come oggi). Ho traslocato abbastanza nella mia vita. Ma anche questo aveva un vantaggio. Credo che sia così che ho imparato a riuscire nella pittura su piccoli formati. Ecco.
© 2026, Ralf Altrieth